Pensando Imagem e Som

[ Vídeo ] Time Warp Project

2012-01-06T14:57:00.001-02:00

Assistam:

[ Pesquisa ] A Narrativa Transmídia e a busca de uma nova linguagem audiovisual para EaD

2011-10-19T16:41:00.002-02:00

A educação a distância, ou EaD, tem se difundido em todo o mundo já há algum tempo. No Brasil, ainda que relativamente tarde, a tendência não poderia ser diferente. Hoje, as maiores universidades do país, tal como outras tantas em países da Europa e da América do Norte, utilizam-se da modalidade de ensino e aprendizagem baseado em interações entre educadores e educandos, cada qual em espaço e tempo diferentes, por meio de uma interface de mediação. Se há algum tempo a comunicação escrita e impressa via correspondência era soberana na EaD, hoje a grande ferramenta que cumpre esse papel é o meio digital, sobretudo a internet. Ambientes virtuais de aprendizagem são bastante comuns nos sistemas atuais, sejam eles públicos, como o já bastante estabelecido Programa Universidade Aberta do Brasil – UAB, sejam privados, como o de várias universidades particulares do país. Contudo, as grandes mudanças de paradigma não estão ocorrendo somente na mídia onde a comunicação entre os envolvidos se dá.

Há, de fato, atores e elementos novos sendo inseridos e desenvolvidos, estabelecendo uma nova linguagem de comunicação. É nesse contexto que as mídias audiovisuais se encaixam de forma bastante contundente, ainda que a evolução e o desenvolvimento estético e lingüístico de sua produção estejam em uma fase intermediária entre as primeiras experiências e o estabelecimento daquilo que a define. O conceito de videoaulas, tal como visto em programas educativos de televisão, ou mesmo de filmes didáticos, como aqueles produzidos pelo INCE de Edgar Roquette-Pinto e Humberto Mauro, estabeleceu parâmetros importantes no que tange o audiovisual com fins educativos. Entretanto, a narratividade e a linearidade destes conteúdos é um grande reflexo de como se entende a educação presencial e, deste modo, tais materiais tendem a manter um padrão sistemático em relação ao ensino em sala de aula. Muda-se a interface, mas a linguagem permanece a mesma. Todavia, em um momento onde acontece uma nova revolução tecnológica pautada pela convergência de mídias, esses elementos já não são suficientes para contemplar as novas demandas educacionais dos espaços virtuais.

Chega então o momento de dar o passo adiante na construção colaborativa desse novo conceito de audiovisual, buscando atingir a essência do que se convencionou chamar de transmidialidade. Há, assim, uma nova demanda para conteúdos não-lineares e de construção interativa; elementos que buscam uma intervenção efetiva e ativa do educando e dos demais envolvidos, tais como professores e tutores; e um universo expandido, com conteúdos presentes nos mais diversos espaços, cada qual como parte de um todo, planejado e articulado para funcionar organicamente. Isto posto, o meio digital mostra não ser uma sala de aula tradicional e, deste modo, não deve se limitar a emular um espaço similar. A proposta transmídia deve contemplar, sobretudo, as mais variadas possibilidades de relacionamento entre o educando, educadores e o conhecimento. Assim, universidades e educadores devem trabalhar com seus conteúdos por meio não só de vídeos expositivos para televisão ou mesmo computadores, mas também jogos eletrônicos, conteúdos para dispositivos móveis, animações e ambientes interativos com texto, imagem e som.

Explorar espaços diferentes abre possibilidades educativas bastante interessantes, dialogando com uma nova geração de educandos que estão em contato constantemente com as mais diversas tecnologias disponíveis em um mercado cada vez mais mutante. É, portanto, fundamental e inevitável que todos os envolvidos no processo de criação e estabelecimento das linguagens audiovisuais para educação e, mais diretamente, para educação a distância, estejam prontos para romper com os limites impostos por um formato específico e estabelecido e, desta forma, alcance o diálogo com o educando ao máximo das potencialidades que somente a convergência midiática pôde trazer.

Bibliografia

ANDERSON, C. A cauda longa: do mercado de massa para o mercado de nicho. 3 ed. Editora Campus/Elsevier. Rio de Janeiro.

ANDRADE, L. Multimídia para web. Disponível em: http://ies.ufscar.br/leoandrade. Acesso em: 28 jan. 2009.

BELDA, F, R., Um modelo estrutural de conteúdos educativos para educação digital interativa. 2009. Tese (Doutorado). Escola de Engenharia de São Carlos, Universidade de São Paulo, São Carlos, 2009.

CORDEIRO, L. Z. Elaboração de material videográfico: percursos possíveis In: CORRÊA, J. Educação a distância: orientações metodológicas, Porto Alegre; Artmed, 2007.

COSTA, C. Educação, imagem e mídias. Editora Cortez. São Paulo, 2005.

GOSCIOLA, V. Roteiro para as novas mídias: do game à TV interativa. Editora Senac. São Paulo, 2003.

JENKINS, H. Cultura da convergência. 2ª Ed. São Paulo: Aleph, 2009.

KELLNER, D. A Cultura da Mídia. Bauru: EDUSC, 2001.

LEVY, P. Cibercultura. São Paulo: Editora 34, 1994.

PFROMM NETTO, S. Telas que ensinam: mídia e aprendizagem do cinema ao computador. 2 ed. Campinas, SP: Alínea, 2001.

* Este texto foi concebido inicialmente como proposta de comunicação individual para o XV Encontro Nacional da Sociedade Brasileira de Cinema e Audiovisual - SOCINE e foi apresentado em Setembro de 2011 no evento ocorrido no Rio de janeiro.

[ Review ] Invasão do Mundo - Batalha de Los Angeles

2011-09-07T02:27:00.008-03:00

Invasão de extraterrestres é e, acredito eu, sempre será um dos carros-chefe da ficção científica, principalmente nas grandes produções do cinema norte-americano. O fascínio que o tema causa já foi tratado aqui no review da primeira temporada de Falling Skies (que você pode conferir clicando AQUI). Em Invasão do Mundo - Batalha de Los Angeles, acompanhamos uma história contada por um ponto de vista bastante interessante, sendo guiados por um grupo de fuzileiros navais americanos no ápice de uma guerra contra invasores. O resultado não é ruim, longe disso, mas tem alguns problemas de execução, que podem ou não incomodar o público que o filme busca atingir. Tudo depende, como diriam os físicos, do ponto de vista. Afinal, não é segredo para ninguém tudo o que uma produção como esta quer mostrar. Basta olhar o cartaz ao lado para entender quem é, de fato, o grande salvador da pátria da produção.

O grupo de fuzileiros que centralizam as atenções no longa do diretor Jonathan Liebesman, cujo personagem central é o segundo-sargento Nantz, é composto dos mais diversos elementos, cada qual com o seu arquétipo mais do que estabelecido, indo do cara com problemas psicológicos e está em tratamento para voltar a manipular armas e é chamado às pressas para um combate violento, à mulher que trabalha com questões técnicas e que, por acaso, está inserida na linha de frente da guerra. Tais personagens são apresentados rapidamente no início do filme, depois da cena inicial, em uma espécie de flashback que antecede aquilo que já estamos cientes do que vai acontecer. Contudo, esta apresentação parece ser um tanto que apressada para algo que pretende humaniza-los na busca de uma empatia com o público; ou desnecessária, já que só prepara terreno para duas horas de tiroteio e quebra-pau. Durante o filme, você não está ligando para o cara que vai casar ou se o virgem do grupo vai acabar morrendo antes de encontrar o amor nos braços de uma mulher. Em meio a tanta correria, cortes rápidos e sangue, o espectador sequer identifica um ou outro, ou se consegue diferencia-los, não tem tempo para pensar quem era esse cara lá no início do filme. O foco, neste desenvolvimento de personagens, está de fato no protagonista, e mesmo assim é bastante raso e cheio de clichês, daqueles ruins, já que é mais do que óbvio que uma hora ou outra ele vai se confrontar com o irmão de um de seus antigos soldados que morreu outrora e com todos os fantasmas de seu passado.

O filme é totalmente centrado nesta galera. Assim, em momento algum se sabe sobre o que anda acontecendo pelo mundo afora, ou mesmo em outros pontos de Los Angeles. As únicas informações que o espectador recebe são dadas por aparelhos de rádio ou televisão, espalhados pelo cenário. Curioso que, em meio a um apocalipse repleto de destruição, os canais continuam transmitindo e todos os locais devastados permanecem com energia elétrica e com TVs ligadas e sintonizadas exatamente nestas emissoras. No Brasil, a energia seria a primeira coisa que iria para o espaço nessas horas. Enfim, seguindo a proposta de nos colocar dentro da ação, como parte daquele grupo, o diretor faz a escolha que já nem é tão original ou arriscada como outrora, de trabalhar com câmera na mão. Ainda que o cinegrafista não esteja inserido na miss-en-scene, como em Cloverfield, por exemplo, a sensação de quem assiste é exatamente a mesma de ser mais um dos elementos que tentam, a todo custo, escapar do fogo inimigo. Esta escassez de informações colabora bastante com as surpresas a cada nova esquina, já que não sabemos se a guerra está acabando, se está terminando, e quem está ganhando. Algo muito parecido com o que cada um deles sente na busca pela sobrevivência e do cumprimento da missão.

No final das contas, Invasão do Mundo - Batalha de Los Angeles foi pensado para um público específico. Identifica, portanto, todos os pontos fundamentais necessários à narrativa e os explora o máximo possível. A grandiosidade de cada um dos confrontos parece ser ponto central na idéia da produção e os efeitos especiais foram pensados milimetricamente para serem satisfatórios sem ultrapassar limites orçamentários (ou mesmo de criatividade da equipe de produção). Há quem reclame do patrotismo exacerbado e do heroísmo americano, há quem reclame da história manjada, ou mesmo do didatismo de cenas e relações que já vimos tantas vezes. A verdade é que aquele que procurou o filme estava buscando exatamente estes elementos para se divertir. E, neste caso, o sucesso é absoluto. Quem estava procurando por um Band of Brothers, certamente não deve ter lido o nome do diretor no cartaz, nem que haveria alienígenas na história. Portanto, o filme cumpre o que promete, em todos os sentidos. Não é um clássico pós-moderno do cinema de vanguarda, longe disso, e certamente não ficará na memória por muito tempo. Diverte, entretem, tensiona, e acaba. Foi feito pra isso. E vale a pena.

[ Preview ] Death Valley

2011-09-02T11:20:00.005-03:00

Depois de lançar o controverso Teen Wolf, a MTV americana se compromete a colocar mais uma série com temática sobrenatural no ar, desta vez com uma pegada um pouco mais adulta. Ainda que corajosa, a série se mostra ainda instável em sua proposta, tendo um roteiro bastante fraco, diálogos medianos e situações até aqui bem fracas para algo pretende ser chamado de comédia de terror. No episódio de abertura, um punhado de situações que se pretendem engraçadas, mas que acabam por ser constrangedoras. Mas há uma certa esperança para a série, pois há possibilidades de crescimento dos personagens, da própria estrutura narrativa e das situações toscas que parecem ser o mote do show.

Death Valley apresenta um grupo de policiais, o Undead Task Force, responsável por combater o surgimento de criaturas que aterrorizam sua vizinhança: zumbis, vampiros e lobisomens. Absurdamente, estes seres existem, sabe-se lá porque, mas não tomaram conta (ainda) do mundo e são só indivíduos à margem da sociedade que devem ser combatidos. A proposta, que surge do absurdo de reunir tudo isso numa panela só, é interessante, já que a intenção é realmente explorar as situações ridículas que podem resultar de um grupo bizarro de tiras combatendo essas forças do mal. O problema é a execução. No final do episódio de abertura, tem-se uma sensação de que preciosos minutos da vida foram perdidos, já que não há nada que faça rir de verdade, nem mesmo que cause aquela sensação de ser engraçado ou de que, em um dia mais alegre, seria motivo para um leve sorriso. E não há nada mais frustrante em uma comédia do que não fazer rir.

Com uma proposta de linguagem que lembra bastante os programas policiais mais conhecidos nos Estados Unidos, sendo o mais famoso deles Cops - que no Brasil tem algo parecido em Polícia 24 Horas, na Band - o dia-a-dia destes policiais é acompanhado por uma equipe de TV, o Channel 5. Os técnicos e a parafernalha são, portanto, parte da diegese e não é difícil que personagens interajam com o cara que segura o boom ou com a câmera, em primeira pessoa. É a estética do mocumentário, ou falso documentário. Também há situações que satirizam as consagradas séries policiais tradicionais, como CSI, por exemplo, no que tange investigação e resolução de casos. Contudo, a salada feita com tudo isso não dá liga. As piadas não funcionam, o timing do elenco ainda é bastante pobre e a execução parece apressada, juntando um monte de trechos que não fazem sentido quando unidos. Ainda que seja uma característica destes programas que acompanham casos isolados, não funciona neste primeiro episódio, já que os personagens não são apresentados de um modo que se entenda o porque e como estão ali, nem suas diferenças mais básicas.

Todavia, ainda há um certo crédito. A proposta é muito boa e abre possibilidades enormes para casos e situações. As gags devem ser melhor trabalhadas a medida que o público vá conhecendo os personagens e suas particularidades. A maquiagem é boa, ainda que a caracterização das criaturas ainda esteja meio confusa, e os efeitos especiais não comprometem. As cenas dos próximos episódios, exibidas ao final do season premiere, dão uma sensação que a série tende a melhorar. Tomara, porque não se pode perder uma boa idéia tão rápido assim. Principalmente quando se aborda as criaturas mais legais do universo pop.

[ Review ] Planeta dos Macacos - A Origem

2011-08-27T21:45:00.006-03:00

A primeira questão para além da elaborada trama de O Planeta dos Macacos - A Origem que nos envolve ao final da projeção é bastante clara: será que, em algum momento, vamos parar de nos impressionar com a evoluação da tecnologia que permite a construção de coisas, cenários, universos e, principalmente, criaturas vivas, por meio da computação gráfica? Se em O Senhor dos Anéis já nos derretíamos com a fantástica participação de Gollum, a sensação foi ainda mais intensa com a nova leitura de King Kong, ambos de Peter Jackson. Se puxarmos ainda mais pela memória, poderemos relembrar que tudo isso começa mesmo para o grande público lá nos anos 1990, com o primeiro Jurassic Park, de Steven Spielberg, arrasando quarteirões. E, mesmo assim, neste novo trabalho, o fascínio que se iniciara já nas fotos de divulgação e depois nos primeiros trailers também é transportado para as quase duas horas do filme. Então, volto à questão? Há um limite? Há algum ponto onde não haverá mais como dar o passo seguinte? Talvez quando não soubermos mais diferenciar personagens humanos reais dos criados pelo computador... até lá, que bom que temos a oportunidade de acompanhar cada passo desta evolução.

Evolução é mesmo o tema deste filme. Não necessariamente no sentido de progressão, ou de melhoria, ainda que os dois conceitos possam se confundir o tempo todo para nós e para os personagens. A trama acompanha Cesar, símio dotado de uma modificação genética que lhe permite aumento significativo e progressivo da capacidade mental, desde o seu nascimento até seu amadurecimento como o grande líder que, sabemos todos, mais tarde se tornará uma lenda entre a civilização que substituirá a humana no futuro. Tais habilidades lhe são conferidas quando sua mãe é cobaia de testes de uma droga, que mais tarde se revela um vírus, desenvolvido e pesquisado como avanço no tratamento do Mal de Alzeimer. Há os personagens humanos na trama, como em toda a franquia, mas o foco do filme os relega a coadjuvantes do grande protagonista, algo já visto no citado King Kong. James Franco está bem como Will Rodman, mas seu drama com seu pai, que possui a doença e é o motor de sua pesquisa, e com a sua namorada, acabam nem ofuscando aquilo que nos interessa de fato. Sua presença, portanto, se faz necessária, mas não é pré-requisito para uma aguardada sequência, já que Cesar e sua história têm vida própria e são motores de tudo o que está por vir.

Contudo, o filme tem alguns pontos que podem incomodar alguns. As feições de Cesar são tão realisticamente humanizadas que não deixam de causar aquela estranheza, de ao mesmo tempo que não há defeitos, parecer falso. Os demais símios, todavia, são mais realistas visualmente e me agradaram mais. Ainda assim, o comportamento de todos eles é talvez o mais esquisito, já que carregam todos os clichês do ser humano. A ponto de, ao fim da cena onde primatas e seres humanos guerreiam na Ponte Golden Gate, termos o ritual de despedida mais repetido da história do cinema norte-americano. Na minha visão, adquirir inteligência comparável a de humanos não significa obter também seus costumes, sua cultura e seu comportamento social. Obviamente, Cesar cresceu assistindo televisão e acompanhando a rotina de homens e mulheres, muito mais do que a de seus iguais, e, assim, estes seriam suas referências. Mas não acredito que tal influência seja determinante para sua essência. Afinal, ter a mesma capacidade mental não siginifica ser a mesma coisa. Se golfinhos fossem tão inteligentes quanto cães, não latiriam, nem correriam atrás de carros (ou fariam?). Por definição, ele não é humano, e este ponto específico acaba se tornando o motor de sua rebelião contra até mesmo as pessoas que o amam. Também achei curioso como alguns macacos que não não foram afetados pelo tal vírus, quando escapam, já assumem o mesmo comportamento dos demais. Será que a inteligência é contagiosa? Ou a revolução o seria?

Detalhes a parte, Planeta dos Macacos - A Origem é um grande filme. A narrativa é muito bem construída e nada parece ser por acaso no desenvolvimento dos sentimentos e princípios de Cesar. Sua relação com os demais macacos também é muito bem concebida. Neste caso, os clichês são bem vindos, com a constituição de seu grupo. O sábio, o brutamontes, o arquirrival... todos compondo um grupo heterogênio, mas complementar em suas habilidades, sentimentos e motivações e, deste modo, acabam se transformando em algo que chamaríamos de generais no exército angariado pelo grande líder. Outros símios também tem seus momentos, mostrando uma capacidade muito grande do diretor Rupert Wyatt em construção de personagens, visto que não é fácil trabalhar vários sujeitos sem diálogos. Aqui, a tal tecnologia que foi tratada no início deste texto é fundamental, mais do que para um belo espetáculo visual, para dar personalidade a tantos indivíduos diferentes. Expressões faciais, sinais corporais e tempo de comunicação fazem destes, na minha opinião, os mais completos personagens digitais já criados no cinema. E aqui vale uma menção especial ao trabalho maravilhoso de Andy Serkis, fundamental para dar vida a Cesar, assim como o foi com Gollum e King Kong. Está se especializando nesse tipo de trabalho e deve fazer escola, já que não adianta ter a tecnologia mais avançada se não houver material humano competente para explorar suas potencialidades.

Certamente, um dos melhores filmes da temporada. A franquia parecia esgotada quando o remake de Tim Burton fracassou em 2001, não por ser ruim, longe disso, mas por não despertar no público o mesmo fascínio das versões anteriores. Se, em 1968, o primeiro Planeta dos Macacos, com Charlton Heston, se mostrou algo para além de entretenimento, com forte crítica social, em 2011, exatamente reiniciando a franquia de um outro ponto de vista, utilizando de uma outra estética e uma linguagem própria, este novo filme faz jus ao legado que carrega, ao mesmo tempo que tem alma própria, se permitindo ir para além do que já foi feito, mesmo que cada referência seja muito bem vinda. E talvez o mais bacana seja torcer pelo apocalipse, porque sabemos o que o futuro reserva para a raça humana, e mesmo assim, torcemos pela revolução. Curioso, não?

[ Jogo On-Line ] Angry Birds

2011-08-21T10:44:00.004-03:00

Ok, ok... não é bem uma novidade. Afinal, muita gente já conhece esse joguinho que é uma febre, principalmente entre os usuários do iPhone. Contudo, vale conferir essa versão para internet. O pequeno detalhe é que só funciona para o brower da Google, o Chrome. E, mesmo que você não tenha ele instalado no seu computador, vale a pena baixar só para poder explodir alguns porquinhos.

Para você que esteve fora do Planeta Terra nos últimos anos, Angry Birds é um jogo com uma mecênica bastante simples onde, por meio de um estilingue, você deve arremessar os pássaros mais pirados do mundo à porquinhos. O objetivo? Destruí-los! Simples assim.

Para acessar o jogo (lembrando mais uma vez, utilizando o Google Chrome), clique no link abaixo:

http://chrome.angrybirds.com/

Aproveite!

[ Review ] Saint Seiya: The Lost Canvas - 2ª Temporada

2011-08-15T18:56:00.004-03:00

Antes de falar desta segunda temporada, faço aqui uma consideração: da mesma forma que a Flashstar Filmes teve que fazer, esta resenha da segunda temporada acompanha o nome oficial da série aqui no Brasil: Saint Seiya: The Lost Canvas. Tal mudança foi uma exigência do estúdio que produz o anime no Japão. Portanto, ainda que, para nós, brasileiros, tudo isso ainda se trate de uma espécie de prelúdio do bom e velho Cavaleiros do Zodíaco, é justo que possamos estar em consonância com a distribuição no país, respeitando os apontamentos de quem produz. A primeira temporada, da qual já tratei aqui no blog, permanece com o nome clássico, mas acredito que agora, até o fim, se mantenha o nome inteiro original.

Isto posto, posso agora tratar desta nova temporada, ainda que produtos japoneses, sobretudo animes, tem uma lógica de temporadas um pouco diferente dos americanos. Com 13 episódios lançados no Japão diretamente em DVD e em Blu-Ray, assim como a primeira temporada, acompanhamos a jornada de Tenma, cavaleiro de bronze que defende a constelação de Pégaso, acompanhado por Yuzuriha, de Grou e Yato, de Unicórnio, até o Castelo de Hades. Nesta jornada, encontram muitos inimigos poderosos, e também muitos aliados bastante importantes nessa caminhada. Dentre eles, Manigold, de Câncer e El Cid, de Capricórnio, ambos cavaleiros de ouro bastante poderosos. Também entendemos um pouco melhor a relação entre Sage, o Grande Mestre do Santuário e Hakurei, seu irmão gêmeo e antigo cavaleiro de Altar. A trama, assim, se desenvolve não só centrada na missão do trio liderado por Tenma, protagonista da história, mas também e principalmente na jornada indivisual de cada um destes personagens.

Neste ponto, coloca-se então algo bastante latente em todas as produções deste universo: o aprofundamento de cada um dos personagens, focalizando o seu momento atual e explicando cada uma de suas ações e pensamentos por meio de suas experiências, referências e toda a sua bagagem anterior. A intempestividade de Manigold, característica também encontrada em Máscara da Morte (cavaleiro de Câncer dos tempos atuais) é bastante instigante quando o personagem está em busca de justiça de uma maneira bastante particular. Da mesma forma, o ser perfeccionista de El Cid se mostra na sua busca pelo golpe ideal. Fazendo novamente um paralelo com a série clássica, como ambos os referentes destes cavaleiros tomaram papéis de antagonismo (coincidentemente, enfrentando Shiryu), não se pode mostrar como cada um deles entende o que é ser um cavaleiro de Athena. O mesmo pode ser notado em Albafica de Peixes na primeira temporada, já que Afrodite também foi visto somente como um vilão. Deste modo, pode-se ver algo aqui que não fora visto anteriormente: a importância dos cavaleiros de ouro na hierarquia dos protetores da deusa. Se na séria antiga parecia que somente 5 dos 88 cavaleiros defendiam verdadeiramente o juramento e a razão de existirem, aqui todos tem a sua parcela em uma grande guerra. Vimos parte da devoção dos cavaleiros de ouro somente na Saga de Hades dos tempos modernos, mas a série clássica ficou marcada exatamente pela chamada Batalha das 12 Casas, onde os dourados eram, de fato, os inimigos a serem vencidos.

Algo que chama a atenção e que talvez possa incomodar um pouco é forma como a narrativa se desenvolve para os demais personagens. Não há grandes batalhas entre cavaleiros de prata ou bronze contra espectros "normais". Quando estes aparecem, são ambos dizimados pelo poder infinito do inimigo, tanto de um lado como do outro. A trama entre El Cid e seus aprendizes poderia render ótimos momentos onde eles pudessem participar ativamente da guerra santa. Chegaram a ser apresentados, cada um com suas personalidades bem iniciadas, mas tudo se vai quando todos são destruidos com um único ataque de uma grande divindade. O mesmo ocorreu na primeira temporada com os postulantes a cavaleiro treinados por Hasgard, de Touro. Afinal, haveria espaço para nos apegarmos a mais personagens que, teoricamente, seriam fracos, mas que cresceriam e se tornariam grandes ídolos, como na série clássica, onde Seiya era, de fato, protagonista, mas outros tantos personagens também recebiam atenção e acabavam roubando preferência do público. Como exemplo, quantos tinham como cavaleiro preferido Hyoga ou Ikki? Cada qual, à sua maneira, tendo um carisma e uma tragetória muito interessante, dava corpo a um grupo de cavaleiros que buscava um objetivo comum.

Em The Lost Canvas, o papel de protagonismo momentâneo cabe a estes cavaleiros de ouro citados anteriormente, o que é bom, mas como o ciclo de cada um acaba com a sua redenção e morte, não há tempo para se torcer para que eles cheguem ao final junto aos demais. Ao mesmo tempo, Yato jamais atingiu o carisma e o desenvolvimento próprio para que se torça realmente por ele. Yuzuriha é ainda pior, já que ninguém liga que ela tenha conquistado sua armadura de Grou (?), nem que tenham sido treinada por Hakurei, ao lado de Shion. Ambos, de fato, assumem papel de ajudantes (no pior sentido) do protagonista, aqueles que ninguém liga se estão vivos ou mortos. Até porque, graças a informações que temos dos tempos atuais, sabemos que nenhum deles sobrevive ao final desta Guerra Santa, já que somente Dokko e Shion sobram. Sinto falta, portanto, de algo que possa nos remeter a algumas das imagens clássicas de nossa infância que justificavam lembrarmos dos Cavaleiros do Zodiaco. No final das contas, a escolha da produtora japonesa em não permitir a tradução aqui no Brasil acabou vindo a calhar. Não faz mais sentido pensar em CDZ quando, no final das contas, somente um pode ser entendido como protagonista. Os demais estão lá para facilitar o seu caminho, não para chegarem junto com ele ao final.

Contudo, tudo isso talvez seja sinal de um certo saudosismo, ou uma estranha nostaugia. Entendo que a sensação que tive lá com meus 10, 11 anos de idade ao assistir cada um dos cavaleiros de bronze serem massacrados para, depois de tudo, vencerem com apenas um golpe jamais retornará. E, abrindo os olhos para este novo momento, posso vislumbrar coisas que não me importavam naquele momento, onde The Lost Canvas supera CDZ, tais como a trama principal, que é muito melhor articulada entre os ambientes e personagens, e as batalhas, que mesmo mantendo sempre aquela mesma expressão "ele parou meu golpe mais poderoso com apenas uma das mãos", abre espaço para ótimas possibilidades narrativas. Não poderia imaginar a solução dada para o desfecho da batalha entre El Cid e Oneiros, com a ajuda da flecha de Sagitário lançada por Sísifo. Frustação mesmo foi o prometido embate no final da temporada, com a marcha dos cavaleiros até o Castelo de Hades, com todos eles voltando pra casa sem nem ao menos encontrar ninguém. Neste ponto, senti o mesmo que Kardia, o cavaleiro de Escorpião, que parece ser um dos personagens centrais da próxima temporada, juntamente com Dégel, de Aquário.

Como não li o mangá, nem mesmo fui atrás dos resumos para saber como a saga continua (para não perder a sensação se surpresa a cada episódio do anime), não sei se conheceremos os cavaleiros de Dragão, Cisne, Andrômeda ou Fênix desta era. Também não sei se outros poderão se mostrar importantes a ponto de nos importarmos com eles. Mas espero que a série, que se mostra bastante positiva em muitos aspectos, como tramas, cenários e relações entre personagens, possa buscar um pouco mais do carisma que sempre foi o ponto mais forte da série antiga.

Imagens por: http://www.cavzodiaco.com.br/

[ Review ] Falling Skies - 1ª Temporada

2011-08-09T17:08:00.007-03:00

ETs e invasões alienígenas não são nenhuma novidade no mundo do entretenimento, certo? Orson Welles conseguiu, segundo relatos, criar um certo pânico quando, lá em 1938, com um programa de rádio adaptando a obra de H. G. Wells - Guerra dos Mundos - em formato de noticiário falso. Saiba mais sobre essa passagem da história do cinema em um artigo especial do Omelete clicando AQUI. Depois disso (antes também), não faltam exemplos na literatura, no cinema, na televisão e nos videogames de histórias que se baseiam na chegada, quase nunca pacífica, de vida inteligente ao nosso planeta. De homenzinhos verdes de Marte até robôs gigantescos de Cybertron, de Wookies a Predadores, o universo inteiro tem interesse em dominar a Terra, ou pelo menos abusar um pouquinho dela, começando geralmente pelos Estados Unidos da América (de preferência, no Dia da Independência americana, como nos ensinou Roland Emmerich).

Neste contexto, Steven Spielberg também tem suas contribuições. Do pacífico ser de olhos grandes de ET - O Extraterrestre até a adaptação do mesmo Guerra dos Mundos, o cineasta sempre foi referência no mundo nerd quando o assunto eram os seres de outro planeta. Portanto, não é por acaso que assina essa nova produção que também se propõe a explorar o tema. O que leva, certamente, a pergunta: Porque ele faria isso? O que mais esse sub-gênero pode oferecer que não esteja sendo repetido por todos os cantos com produções questionáveis para o cinema como Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles ou Skyline? O que o formato de seriado pode querer depois do relativo fracasso da nova versão de V - A Batalha Final? Falling Skies é a resposta para todas essas perguntas. Talvez não uma resposta maravilhosa, e para alguns uma péssima resposta, mas mesmo assim, uma nova idéia.

Não que o seriado, que acaba de encerrar a sua primeira temporada de apenas 10 episódios nos States, seja maravilhosamente original. A sensação de quem assiste e acompanha o dia-a-dia de um grupo de sobreviventes de uma invasão alienígena é de que já viu aquilo algumas vezes. Mas, ao não se focar nas grandiosas batalhas, e sim nas relações entre personagens, a produção que é encabeçada por Spielberg se destaca e, no final das contas, vale a pena ser acompanhada. Tanto que já está renovada para mais uma temporada e a tendência é de se manter firme, com um público fiel e já bastante estabelecido.

Resumindo, a trama se concentra alguns meses depois de uma invasão que praticamente dizimou a população do nosso planeta. Os ETs chegaram, desligaram tudo o que era eletrônico por aqui, o que atingiu todas as nossas possibilidades de defesa, e venceram. Sequestraram pré-adolescentes e mataram o resto. Há poucos sobreviventes vivendo em pequenas comunidades, algumas das quais compostas do que sobrou das forças armadas e civis. O foco da narrativa está no grupo nomeado como a 2ª de Massachusetts, e está centrada na família de Tom Mason, ex-professor de História e segundo no comando do agrupamento, abaixo somente do Capitão Weaver, um militar aposentado. Na tentativa diária de sobreviver e de manter as pessoas a salvo, eles enfrentam com poucos recursos as ameaças daqueles que chamaram de Mechs (robôs fortemente armados) e de Skitters (criaturas alienígenas de seis pernas e uma aparência monstruosa). A série não demora a mostrar que há outra espécia alienígena dentre os invasores e que parecem, de fato, serem os líderes da invasão; e que as crianças sequestradas estão sendo escravizadas com uma espécie de parasita que controla seu centro nervoso.

Como dito anteriormente, o clima do seriado não é o mesmo visto em grandes produções como Independence Day ou Guerra dos Mundos. A invasão não está acontecendo; ela já aconteceu. Não há mais como salvar o planeta da destruição. Tudo isso já passou. O apocalipse já se deu. Portanto, não se deve olhar para a série esperando grandes batalhas aéreas, mas sim um clima de mundo desolado e de sobrevivência. E, neste aspecto, Falling Skies está muito mais próximo de The Walking Dead ou de produções focadas em zumbis. Parece estranho, mas a ambientação de que o grande inimigo, muito mais poderoso e já dominante, é a mesma. E, neste momento, tudo o que se entende como modo de vida está comprometido. A raça humana passa a ser acuada e sua estrutura social é profundamente modificada.

Curioso ver como produtos de entretenimento americanos sempre retratam uma sociedade devastada sobrevivendo e conseguindo progredir a partir de conceitos semelhantes a uma idéia comunista de divisão de trabalho e compartilhamento de recursos. Fosse a mesma lógica de dominadores e dominados do capitalismo, focos de resistência à processos de extermínio jamais conseguiriam prosperar. E, desta forma, pode-se comparar a 2ª Mass com qualquer grupo de sobreviventes dos filmes de George Romero. Coincidência, ou não, as crianças que são tomadas pelos invasores se parecem muito com zumbis recém-transformados, mantendo suas feições e seus traços físicos, mas totalmente privados das emoções humanas de outrora. Tudo isso, contudo, com uma roupagem sci-fi muito bem construída, com efeitos especiais coerentes e um desenvolvimento da história bastante interessante. Até porque apenas 10 episódios por temporada permitem que não haja necessidade da chamada "barriga", ou, em outras palavras, de enrolação. O grupo todo de personagens centrais tem relevância e permitem um aprofundamento cada vez mais acentuado, o que abre espaço para tantas outras temporadas que vierem.

Curioso também que, neste mesmo paralelo com filmes e séries de zumbis, Falling Skies muitas vezes abdica de mostrar os ETs o tempo todo. Há episódios que eles sequer dão as caras. Muitas vezes, o inimigo de outro mundo não é nada comparado ao cara que está ao seu lado e que supostamente luta pelos mesmos objetivos. Não foram poucos os momentos onde sobreviventes tiveram que enfrentar ou se defender de outros humanos na busca pelo dia seguinte, pelo pão ou pela sua família. Com essa idéia de focar na construção de relações humanas pós-fim do mundo é que a série se destaca dentre tantas outras produções com a mesma temática. Isso pode agradar muitos, mas também desagrada tantos outros

Como balanço final da primeira temporada, Falling Skies se mostra interessante e apresenta um grande potencial de ser realmente uma série memorável. Os personagens ainda não são tão cativantes a ponto de o espectador se importar verdadeiramente com eles, o que é uma falha grande quando a produção se foca exatamente neste ponto. Contudo, o desenrolar de novas temporadas tende a nos aproximar da vida e da intimidade de cada um deles, os humanizando e, assim, tornando-os caros. O final do último episódio abre uma brecha curiosa sobre como o protagonista irá seguir adiante e, mesmo o season finale não sendo bombástico (em todos os sentidos), cria uma boa expectativa para o que tem por vir. Tomara que estes ETs sejam menos burros que tantos outros e saibam instalar anti-virus nos seus computadores e tomem direitinho as suas vacinas contra bactérias terrestres. Ninguém consegue atravessar o universo e destruir uma civilização sem ser esperto o bastante para se preparar para coisas assim...

Humberto Mauro, as Brasilianas, o pensamento industrial e a história do cinema brasileiro

2011-07-29T12:14:00.000-03:00

Edgar Roquette-Pinto, grande entusiasta da utilização dos meios radiofônicos e cinematográficos com fins educativos, e Gustavo Capanema, então ministro da educação e da saúde do governo Getúlio Vargas, unem esforços a educadores, higienistas e intelectuais em uma proposta de utilizar a mensagem e o aparato cinematográfico para o engrandecimento do homem através da educação. Há também, nesse momento, uma idéia muito objetiva de fortalecer o nacionalismo desenvolvimentista, tão aclamado por Getúlio Vargas como diretriz de seu governo. Neste contexto, funda-se então, em 1936, o INCE – Instituto Nacional de Cinema Educativo, com gestão do próprio Edgar Roquette-Pinto. Ligado ao Ministério da Educação e Saúde, o instituto tem como seu principal realizador o cineasta Humberto Mauro, que aceita o convite do próprio diretor do instituto e, durante a sua história, será o maior realizados dos mais de 350 filmes produzidos pelo INCE.

Os dez primeiros anos do instituto foram os mais produtivos, tendo a parceria entre Roquette-Pinto e Humberto Mauro uma de suas maiores virtudes. Afinal, Roquette-Pinto tinha prestígio junto ao ministro Capanema, Mauro já era um cineasta reconhecido no meio e o INCE, ainda que com recursos escassos, tinha aparatos técnicos suficientes para filmagem, revelação, montagem e sonorização dos filmes que produzia, além de poder adaptar filmes estrangeiros para o contexto nacional. Foram feitos, assim, filmes sobre assuntos diversos, sempre pelo viés educativo. Eventos cívicos, pesquisas científicas, tratamentos médicos e retrato biográfico de personagens ilustres brasileiros estão entre os temas mais queridos do INCE neste primeiro momento.

Com a aposentadoria de Roquette-Pinto em 1947, o INCE, aos poucos, vai perdendo o seu caráter estritamente educativo por motivos diversos, dentre eles o político. Humberto Mauro acaba tendo mais liberdade criativa e temática e isso se reflete nos filmes produzidos a partir de 1948. O mundo rural, quase inexistente na fase anterior, é bastante trabalhado e querido por Mauro na mesma medida em que o INCE vai perdendo o seu motivo de ser. É grande o movimento no meio cinematográfico para o incentivo estatal ao cinema de ficção longa-metragem e o instituto, em uma política de produção de filmes ficcionais de curta-metragem acaba relegado a segundo plano pelo estado getuliano e pelos próprios cineastas e pensadores do cinema da época.

O método de produção independente e artesanal que Mauro emprega nos seus filmes também se contrapõe ao método industrial defendido como única chance do cinema nacional existir. Neste contexto, Humberto Mauro produz, em Minas Gerais, uma série de curta-metragens com temática rural chamados Brasilianas, dentre outros. Mais tarde, exatamente pelos motivos pelos quais foi preterido, Humberto Mauro é elevado a fundador do Cinema Novo. Isto posto, proponho o estudo desta série de curta-metragens não só na questão da linguagem utilizada ou das referências de Humberto Mauro e seu cinema, mas também trazendo essa análise para os contextos político e histórico do cinema nacional.

Questões levantadas na bibliografia-base consultada mostram ainda outros aspectos, tais como a existência – ou não – de um certo desprezo a respeito da produção de curtas-metragens por Mauro enquanto funcionário público pela historiografia clássica do cinema brasileiro; a influência destes filmes na ideologia do vindouro Cinema Novo; e a importância desta produção dentro do cinema brasileiro como um todo. A reflexão busca, portanto, analisar as influências do cinema educativo de Humberto Mauro na linguagem, na temática e nos modos de produção do cinema das décadas de 1950 e 1960.

Leia mais sobre Humberto Mauro clicando AQUI.

Bibliografia:

AUTRAN, Arthur. O pensamento industrial cinematográfico brasileiro, Tese de Doutorado, Instituto de Artes - UNICAMP, 283 pp, 2004.

PFROMM NETTO, Samuel. Telas que ensinam: mídia e aprendizagem do cinema ao computador. 2 ed. Campinas, SP: Alínea, 2001.

SCHVARZMAN, Sheila. Humberto Mauro e as imagens do Brasil. São Paulo: Ed. UNESP, 2004.

VIANY, Alex. Introdução ao cinema brasileiro. Rio de Janeiro: Editora Revan, 1993.

Texto originalmente escrito para o XII Encontro Nacional da Sociedade Brasileira de Cinema e Audiovisual - SOCINE, ocorrido em outubro de 2008 em Brasília-DF.

[ Review ] Mortal Kombat Legacy - 1ª Temporada

2011-07-27T12:00:00.000-03:00

Equilíbrio. Esse é talvez o ponto essencial para qualquer produto seriado. E talvez seja o maior dentre os pontos negativos da websérie Mortal Kombat Legacy, do diretor Kevin Tancharoen. Lançada neste ano de 2011, a série feita exclusivamente para a internet busca explorar um formato ainda muito pouco utilizado pelas grandes empresas. Contendo 9 episódios de aproximadamente 10 minutos cada, a experiência busca detalhar a origem de personagens já bastante conhecidos do seu público-alvo, abordando alguns pontos ainda ocultos na mitologia criada nos jogos, famosos desde os anos 1990, e fazendo a releitura de outros.

O primeiro problema é o erro estratégico da Warner, dona dos direitos da franquia. Releituras e diferenças entre histórias contadas em mídias distintas nunca foram um problema em si. Afinal, cada mídia tem sua própria linguagem e adaptações em todos os sentidos devem ser feitas para que o produto possa funcionar. A questão é o momento. A websérie foi lançada exatamente no mesmo momento em que o novo jogo estava entrando nas prateleiras, recontando a história base da franquia, em uma espécie de reboot que, ao mesmo tempo, abre uma nova linha narrativa. E mais ou menos o que foi feito com outra grande franquia, só que no cinema: Star Trek. E o modo de história propriamente dito do jogo é o mais detalhado possível. A série, por sua vez, tomou outra direção e conta a mesma trama com diferenças muito grandes em questões básicas, como a relação entre Kitana e Mileena, por exemplo. Ou seja, em tempos onde a estratégia da Narrativa Transmídia abre possibilidades de expansão do universo em uma estrutura multiplataforma, a escolha feita com Mortal Kombat é de criar algo paralelo e não-canônico, o que desagradou grande parte dos fãs mais fervorosos.

Outra questão que também prejudicou bastante a proposta é que, exatamente por ser uma experiência ainda pouco explorada, também não arrebanha muitos investimentos. Pensando em uma franquia de criação de universos paralelos, batalhas épicas, fantasia e elementos fantásticos, questões técnicas de efeitos especiais, direção de arte, fotografia e mesmo interpretação pesam demais. O resultado são episódios visualmente muito pobres, com ambientes mal produzidos, figurinos próximos de cosplays ruins e efeitos especiais bastante limitados. No episódio dedicado a Scorpion e Sub-Zero, por exemplo, ainda que o ambiente esteja bastante adequado com toda a neve e o espaço aberto, o figurino parece uma adaptação de roupas de moleton! Já o elenco reune atores e atrizes que muitas vezes só podem ser identificados quando são explicitamente chamados pelos nomes conhecidos. Mesmo assim, temos um Jax baixinho, uma Sonya Blade bem mais velha, Kano sem barba, Baraka parecendo um orc porcamente maquiado e um Shang Tsung tão raquítico que dá muita dó. Enfim, nenhuma credibilidade é passada pelas áreas mais importantes da produção.

Ainda com todos esses problemas, o que mais incomoda mesmo nestes poucos episódios é a falta de equilíbrio citado no começo deste texto. Cada episódio, mesmo todos eles sendo dirigidos pela mesma pessoa, tem estruturas estética, narrativa e linguística completamente diferentes entre si. Enquanto os primeiros episódios se pautam num certo realismo, os seguintes seguem por outras vias. Ainda que espaços diferentes exijam tratamentos diferentes (um universo policial é diferente de uma dimensão calcada na magia), as bases da construção são alteradas a cada novo ato. Se no momento que trata da história das ninjas assassinas há inserções de animação (ainda que sejam alguns dos pontos mais interessantes dos episódios), esse recurso é totalmente ignorado em outros momentos, sendo considerado, de fato, só uma experiência abandonada. Ou seja, não há uma proposta visual orgânica, onde o espectador pode se sentir confortável. A série perde exatamente o equilíbrio ultrapassando a linha entre experimentação e um emaranhado de cenas e histórias sem nenhuma proposta. E que isso fique muito claro: buscar alternativas narrativas sempre é bem-vindo, desde que essa proposta seja coerente em si.

Ainda assim, essa primeira temporada não é totalmente ruim ou descartável. Algumas coreografias de lutas são bastante interessantes e empolgantes. O episódio sobre Johnny Cage é um bom exemplo disso. Mas é no episódio final, com Sektor e Cyrax que temos momentos realmente muito bons de pancadaria, sem firulas, onde a intensidade de cada porrada é impactante. A leitura de um momento de Raiden assim que chega à Terra também é bem legal, explorando uma sitação sombria e que despertaria, inicialmente, pouco interesse, para falar como seria se alguém aparecesse aqui se dizendo Deus do Raio e do Trovão e protetor do Reino da Terra. Também citei anteriormente que as soluções em animação estilizada são muito interessantes e poderiam ser muito mais utilizadas ao longo da série, mas com menos frequência por episódio do que foi feito. E, claro, conhecer um pouco mais de histórias laterais da mitologia de Mortal Kombat é sempre muito interessante.

Creio que há muito o que a Warner possa evoluir nessa proposta. O que todos podemos sonhar seria com algo muito mais grandioso do que apresentado até aqui. Uma série adulta, no estilo HBO, como Game of Thrones, ou mesmo como Spartacus, da Starz, seria muito mais expressivo, teria certamente um público cativo e poderia, aí sim, explorar a violência inerente à essência de Mortal Kombat, sem abrir mãos de boas histórias de origem que pudessem culminar no tão aclamado torneio, que poderia inclusive ser um ótimo longa-metragem lançado nas salas de cinema. Mas enquanto isso, esperemos que a Warner e a NetherRealm tenham aprendido com os (muitos) erros cometidos até aqui e consigam estruturar melhor seu conteúdo para as mais diversas plataformas e para a vindoura segunda temporada. Não que uma série ruim abale o ótimo jogo lançado este ano, longe disso, mas se souberem como fazer, Mortal Kombat pode ser ainda maior. E com sangue, por favor.

[ Review ] Game of Thrones - 1ª Temporada

2011-07-25T18:27:00.009-03:00

O universo medieval e a fantasia sempre foram fonte de grandes histórias épicas e criações extraordinárias. J.R.R. Tolkien e seu universo já consagrado em tantas obras (desde a clássica trilogia O Senhor dos Anéis até outras obras que se ambientam neste mesmo universo, como O Hobbit - a caminho do cinema - e O Silmarillion, dentre tantas outras) é talvez o maior expoente deste nicho, mas está muito longe de ser o único. C.S. Lewis e a grande obra As Crônicas de Nárnia (que não obteve, no cinema, o mesmo sucesso da trilogia dirigida por Peter Jackson, mas que também se tornou bastante conhecida), Christopher Paolini e a saga que se iniciou em Eragon (que também não foi feliz na sua adaptação para as telonas) e Licia Troisi e suas Crônicas do Mundo Emerso são outros dos muitos exemplos onde mitos e criaturas fantásticas se encontram com espadas, reinos, cavaleiros e armaduras. Game of Thrones, série da HBO baseada na série de livros As Crônicas de Gelo e Fogo (ou originalmente A Song of Ice and Fire) de George R. R. Martin, também se propõe a explorar essa espécie de gênero, ou subgênero, ao mesmo tempo que consegue estabelecer uma identidade própria, distanciando-se assim das outras obras citadas anteriormente, ao mesmo tempo que mantém uma sensação de familiaridade em seu público.

Basicamente, a primeira temporada segue alguns arcos bastante distintos, mas todos girando em torno no poder, representado pela monarquia que comanda os Sete Reinos de Westeros. Acompanhamos as famílias Stark, Lannister, Baratheon e Targaryen, além do povo Dothraki em suas caminhadas, que se cruzam no passado e no presente em torno do tão desejado Trono de Ferro. Conhecemos espaços como o Porto Real, capital dos Sete Reinos; A Muralha, última proteção ao norte; Winterfell, terra dos senhores do norte; e tantas outras cidades e povoados que nos mostram a extensão e a diversidade deste universo criado por Martin. Nomes de personagens e lugares parecem bastante complicados de se aprender no início, mas naturalmente, ao longo destes 10 primeiros episódios, o espectador passa a conviver com os eles e reconhece-los. O desenvolvimento de cada um deles se dá de forma muito interessante e cada um tem sua jornada pessoal bem explorada. Ainda que seja um mundo complexa, a série é bastante feliz ao trazer o público para si e para os dramas pessoais vividos naquelas terras. E a belíssima abertura é um espetáculo à parte ao montar, quase que em maquete, os espaços que vamos conhecendo ao longo do percurso. Não é necessário sequer aquelas grandes paisagens exploradas por Peter Jackson, por exemplo, para se ter a dimensão dos Sete Reinos de Westeros. Ponto para os criadores que resolveram essa questão de forma muito criativa e não menos fascinante.

Além dos personagens, a trama também se desenvolve com uma facilidade quase que natural. Tudo se encadeia de modo bastante orgânico, funcionando em seus contextos sem parecer forçado. A separação de cada família também garante que, mesmo havendo tantos membros em cada Casa, os indivíduos tem, cada qual, a sua personalidade única, suas motivações e seus caminhos diferenciados. Ainda que há um certo protagonismo da família Stark, não há lados bom e ruim. Há influências familiares, claro, nas ações de cada personagem, mas há também aquilo que os torna únicos. O então alardeado jogo dos tronos se dá exatamente pela diversidade de intenções e consequências das ações de cada um. E exatamente por essa característica, não se pode eleger o herói e o vilão da história desde já, com tantas nuances entre todos eles ocorrendo o tempo todo.

Cada episódio deixa claro, por meio de suas escolhas, que não se deve esperar que, ao final de sei-lá-quantas temporadas, um ou outro seja eleito o rei e viva feliz para sempre. O penúltimo episódio é bastante corajoso ao mostrar que não há receio de se inverter papéis arquetípicos entre todos os personagens. Assim, é aqui que a história consegue estabelecer sua identidade. A jornada do herói, bastante conhecida deste e de tantos outros universos, não pode ser prevista. Ao mesmo tempo que sabemos quem será aquele pelo qual torceremos em histórias tradicionais, e que no fundo sabemos que será ele a salvar o dia, em Game of Thrones nada disto fica claro, aumentando então a tensão de que tudo pode acontecer.

Esta primeira temporada, contudo, deixou alguns (poucos) fãs um tanto quanto decepcionados pela falta de batalhas grandiosas e grandes embates entre as Casas antagonistas. Pode-se dizer que, no cinema, o climax destes combates é bastante necessário. Em O Senhor dos Anéis, por exemplo, cada um dos filmes exigia uma batalha épica por filme. No entanto, em um seriado que pode durar alguns anos e tantas horas mais, é fundamental que se guarde esse momentos para situações que realmente devam ficar marcadas como grandiosas. Até porque a batalha seguinte, nestes casos, precisa ser, necessariamente, maior, mais sangrenta, mais violenta, com mais gente lutando (e morrendo). Isso seria insanamente difícil de se fazer toda temporada. Assim, gostei bastante das escolhas da produção em explorar a personalidade de cada personagem e os desdobramentos de suas ações nesta temporada de apresentação.

Os efeitos especiais estão absolutamente apropriados, sem nenhum exagero, trazendo ainda mais realismo à trama, mesmo esta tendo elementos tão sobrenaturais e fantásticos como uma boa história como essa pede. A direção de arte é muito competente na sua proposta, não devendo nada para nenhuma superprodução do cinema, trazendo referências de tantas culturas diferentes, mas mantendo aquilo que nos é tão familiar. O elenco também mostra muita segurança nas nuances da construção de personagens tão complexos. Nomes como Sean Bean (que parece ter nascido para atuar nesse tipo de produção, lembrando muitas vezes sua competente atuação no primeiro SDA), Lena Headey (depois do épico 300 e de sua participação no seriado de O Exterminador do Futuro como Sarah Connor, em uma reconstrução muito interessante de uma personagem bastante cultuada e que, em muitos momentos, salvou a série) e Mark Addy trazem ainda mais respeito à série. Mais uma vez, o esmero da HBO se reflete na qualidade estética e narrativa de sua produção. Definitivamente, Game of Thrones é recomendação máxima, principalmente em um ano de estréias bastante medianas.

[ Review ] Guia de Sobrevivência a Zumbis

2011-07-18T17:16:00.005-03:00

Ok, ok... não se vê muitos reviews sobre livros aqui no PIS, por pura falta de tempo mesmo, mas espero poder fazer mais postagens sobre essa mídia, que continua sendo uma das maiores fontes de ótimas estórias. Então, como obra que inaugura a sessão de críticas literárias no blog, escolhi Guia de Sobrevivência a Zumbis, de Max Brooks.

Basicamente, o título da obra é auto-explicativo e não há muito o que se acrescentar sobre o teor do livro. Em pouco mais de três centenas de páginas muito bem escritas e ilustradas, Brooks faz um apanhado de tudo o que se sabe sobre os mortos-vivos para que qualquer um esteja preparado para quando houver uma insurreição destas criaturas horrendas. São levantados dados sobre o que faz um ser humano se reanimar depois da morte, quais as melhores armas e estratégias de combate, opções de fuga e de vida pós-apocalíptica, além de todos os mais importantes relatos históricos de casos importantes que envolviam os chamados zumbis.

Em um estilo que, no audiovisual, poderia ser chamado de mocumentário (aqueles documentários sobre temas fictícios, mas que são produzidos com todos os elementos para se mostrarem reais), o autor trabalha com uma série de questões existentes em tantos guias de sobrevivência já escritos para explicitar uma série de paranóias que governos, exércitos e pessoas comuns tem quando pensam no fim dos tempos tal como conhecemos. Se os norte-americanos levam muito a sério todas as estratégias de sobrevivência pós-guerras nucleares, por exemplo, Brooks brinca com o tema, levando os mesmos pontos para um mundo fantasioso para, aí sim, mostrar o quão ridículas tais dicas podem ser.

Afinal, que nerd nunca imaginou como seria a sua vida a partir de um evento como esse, onde os zumbis tomassem conta da Terra? Quantas vezes o tema não foi explorado na literatura (Eu Sou a Lenda, de Richard Matteson, Orgulho e Preconceito e Zumbis, de Seth Grahame-Smith e Guerra Mundial Z, do próprio Max Brooks são bons exemplos), no cinema (a cinegrafia inteira de Romero é o maior expoente de um sub-gênero do terror bastante extenso), nas HQs, na televisão (em ambos os casos, The Walking Dead é atualmente a obra mais conhecida) e nas mais diferentes mídias? E porque o tema continua tão instigante? O que torna o zumbi uma criatura diferente das demais?

Talvez a grande diferença não seja exatamente o morto-vivo em si, mas sim a sensação de o quão primitivas as pessoas podem ser ao sobreviverem ao apocalipse. Afinal, a grande sacada dos filmes de zumbis não é nada além da relação das pessoas que sobrevivem aos ataques. O seu inimigo não é a criatura que quer devorar seu cérebro. É o cara que luta ao seu lado e o que ele poderia fazer no momento de desespero. Afinal, ser civilizado e altruísta é questão de conveniência. E Brooks sabe trabalhar muito bem com o tema neste livro.

Interatividade, tecnologia e a nova linguagem audiovisual educativa

2011-07-14T16:56:00.006-03:00

O advento das novas tecnologias digitais e dos mais diferentes meios de comunicação traz à pauta novos paradigmas no diálogo entre quem, o que, e para quem são produzidos conteúdos audiovisuais de cunho didático-educativo. Deste modo, há também uma nova demanda de evolução estética e linguística destes materiais. E as características de interatividade são fundamentais nesse desenvolvimento.

Espaços diversos como a publicidade e a indústria do entretenimento têm buscado se apropriar de características possíveis dos mais diversos meios de comunicação digitais, como a telefonia móvel, a televisão, os aparelhos eletrônicos dos mais diversos e, principalmente, a internet. A busca pelo público que deixa de ser espectador passivo diante de um conteúdo e se torna ele mesmo transformador de sua própria experiência audiovisual é um grande desafio. A convergência das mídias é a consequência destas novas experiências de interatividade, nas quais cada sujeito pode participar ativamente da construção de um universo de possibilidades. Notadamente, pode-se encontrar exemplos desta intervenção direta do espectador no conteúdo audiovisual em jogos eletrônicos cada vez mais complexos e de amplas possibilidades narrativas não-lineares; construção, produção e ressignificação de vídeos, animações e outras formas de imagem e som, especificamente na internet e, potencialmente, na televisão digital; e o acesso direto não só às informações produzidas pelos grandes meios de comunicação, mas também à produção de informação, opinião e conhecimento colaborativo.

Do mesmo modo, há um cenário muito interessante para que conteúdos audiovisuais produzidos e destinados à educação possam trilhar uma execução semelhante. As tecnologias digitais estabeleceram um novo cenário onde há um grande número de pessoas conectadas com uma gama infindável de informação, bem como reestabeleceu padrões de distância entre pessoas. É necessário então explorar essas possibilidades para além dos limites tradicionalmente conhecidos. O apoio dos ambientes virtuais de aprendizagem na educação, seja ela presencial, semi-presencial ou totalmente a distância, permite a produção de conteúdos transmidiáticos baseados na interatividade, convergindo vídeos, áudios, imagens e animações que podem ser vistos e trabalhados de forma não-linear, jogos educativos, conteúdos para dispositivos móveis e todas as relações entre esses diversos elementos. Se a interatividade é a possibilidade de um sujeito em utilizar, manipular, ressignificar e reconstruir de forma ativa e direta uma experiência midiática, o conteúdo audiovisual de cunho educativo pode e deve buscar explorar esse novo universo que se abre diante a tecnologia digital. Mais do que isso, é fundamental que se pense as implicações de forma e de conteúdo para esse material.

Bibliografia:

BELDA, F, R., Um modelo estrutural de conteúdos educativos para educação digital interativa. 2009. Tese (Doutorado). Escola de Engenharia de São Carlos, Universidade de São Paulo, São Carlos, 2009.

GOSCIOLA, V. Roteiro para as novas mídias: do game à TV interativa. Editora Senac. São Paulo, 2003.

PFROMM NETTO, S. Telas que ensinam: mídia e aprendizagem do cinema ao computador. 2 ed. Campinas, SP: Alínea, 2001.

COSTA, C. Educação, imagem e mídias. Editora Cortez. São Paulo, 2005.

Texto originalmente escrito para o I Encontro Estadual da Sociedade Brasileira de Cinema e Audiovisual - SOCINE, ocorrido em maio de 2011 em São Carlos-SP.

[ Review ] Sucker Punch - Mundo Surreal

2011-07-11T12:00:00.000-03:00

Só agora, depois de algum tempo que o filme foi exibido (por pouco tempo) nos cinemas e que consegui assistir ao longa que começou como um projeto que parecia despretencioso de Zack Snyder (Watchmen, 300 e o vindouro Superman - O Homem de Aço) e se tornou uma das maiores expectativas do público nerd. No final das contas, o filme é ótimo, mas não agradou ao grande público, talvez porque a produção tenha superestimado uma geração que exige algo mais dos filmes, sobretudo os de ação, mas que está despreparado quando se depara com um roteiro que exige não só uma bagagem de referências do mundo pop, mas também um pouco mais de leitura e construção de signos e significados.

A trama, se alguém ainda não conhece, acompanha Babydoll, que por um lamentável acidente, mata sua irmã e é internada por seu padrasto escroto em uma instituição para doentes mentais. Lá, seu destino é a lobotomia e o filme acompanha os 5 dias em que esteve internada. Junto com outras garotas do manicômio, tenta desesperadamente fugir para evitar seu trite fim. Até aqui, uma sinopse clássica de Tela Quente. O que diferencia o filme é como a narrativa é conduzida de forma muito competente pelo diretor, junto a uma equipe fantástica que trazem alguns dos efeitos especiais mais interessantes já vistos, além de uma fotografia desafiadora e uma trilha sonora fantástica.

Snyder busca, na mudança entre os diversos ambientes estabelecidos para as personagens - manicômio, bordel, mundo da fantasia - encontrar não as motivações mais rasas de cada uma delas, mas ao retratar suas viagens surreais, encontrar aquilo que mais íntimo há na sua protagonista. E aqui talvez o grande choque que até hoje muita gente não percebeu. Até os últimos instantes, ele nos faz acreditar que sua personagem principal é uma, e mesmo depois da projeção ainda podemos ter essa impressão, mas ao compreender um pouco de como a roteiro se estruturou, pode-se perceber claramente que a história é sobre outra pessoa. E isso é jogado na cara do espectador em uma fala direta e objetiva quase no final da projeção, e mesmo assim pouco percebida pela grande maioria das pessoas que foram ao cinema (ou à locadora) esperando só pelas cenas de ação prometidas nos trailers. Não vou me estender aqui para não entregar demais, mas esse entendimento é fundamental para não ficar com um ponto de interrogação gigante na cara ao final dos créditos.

Como dito no início desse texto, Sucker Punch espera demais de seu público. Quem viu os fãs bisbilhotarem e esmiuçarem cada frame de seriados como Lost, ou criar histórias espetaculares a partir de franquias como Star Wars e Harry Potter em fanfics talvez tenha proposto algo para o público do cinema-pipoca comum algo para além do que este pode dar. Não é a toa que o filme foi um fracasso de público e dividiu parte da "crítica". Depois de um resultado parecido com Watchmen, provavelmente Snyder terá que recuar um pouco se quiser uma boa bilheteria para o maior dos projetos que já esteve em suas mãos - Superman. Ou pelo menos esperar menos de seu público.

[ Review ] Caprica

2011-07-08T14:14:00.007-03:00

Em apenas uma temporada, pode-se vislumbrar o ápice da sociedade de consumo antes da expansão da inteligência artificial que culminaria na derrocada da humanidade no universo de Battlestar Galactica. A impressão é que havia muito ainda o que explorar se a série tivesse sido renovada e o público tivesse respondido positivamente à proposta da produção, que jamais tentou repetir o série original em linguagem ou mesmo esteticamente. Talvez esse tenha sido o seu maior erro.

Caprica se passa 58 anos antes do evento cataclísmico retratado no início da saga de BSG, onde os cylons atacam as 12 colônias, dentre ela a capital Caprica, quase que exterminando a raça humana. Neste prelúdio, cada planeta ainda é independente e, portanto, não está sob o mesmo governo, característica destacada em BSG. Caprica se mostra como a colônia mais avançada economicamente e tecnologicamente, enquanto outros são retratados com características diversas. Tauron está sob constante conflito interno e parece bastante tradicionalista enquanto Gemenon, com uma paisagem bastante interessante, é mostrada com a mais espiritualizada, detalhes que já haviam sido mencionados na série original.

Aqui, o espectador é apresentado a basicamente duas famílias, os Greystones e os Adamas, enquanto a trama se desenvolve nas relações estabelecidas entre seus membros a partir de um evento base, o atentado ao trem que faz como vítimas membros de ambos os clãs. Zoe Greystone, filha de Daniel e Amanda, é um gênio na informática e consegue, antes mesmo do pai, criar um software que possibilita que exista personagens virtuais, ou avatares, em um universo virtual, semelhantes aos seus donos, mas que podem agir por conta própria. Parece complicado, mas, trocando em miúdos, ela é capaz de criar uma "vida" independente no ambiente virtual.

Com o acidente - do qual não demora para receber a culpa - e a sua morte, a Zoe digital continua existindo e acaba sendo incorporada por seu pai a um corpo cibernético, o primeiro protótipo do que se tornaria, mais tarde, o arauto da destruição da humanidade. Mas a trama se amplia, agregando outras ótimas discussões. Conhecemos uma sociedade secreta (ou nem tanto) de monoteístas, chamada de STO (Soldiers of The One) da qual Zoe e seus amigos faziam parte; conhecemos a fundo as relações da família Adama com o que poderíamos chamar de máfia Tauroniana e, assim, as bases onde o futuro Almirante da Galactica é criado, bem como outros pontos que ajudariam a desencadear os acontecimentos futuros.

A série, cancelada antes mesmo do fim de sua primeira temporada e que teve 18 episódios exibidos, se mostra bastante diferente de sua matriz, como dito anteriormente. O ritmo dos acontecimentos é bem mais lento, quebrando a expectativa de quem esperava por novas batalhas aéreas, naves e espaço. Ainda que esteja diretamente ligada a BSG, é independente tanto na trama quanto nas demais características. Isso espantou o público fiel à série original, ao mesmo tempo que não conseguiu agregar novos fãs, culminando no seu fim prematuro. Contudo, está longe de ser ruim. Ao contrário, é uma ótima série dramática, que aborda temas como preconceito, xenofobia, fundamentalismo religioso, empolgação exagerada com a tecnologia e a dualidade entre real e virtual. Tudo muito bem estruturado e bastante orgânico, ainda que sem a ação que se esperava. Antes de mais nada, é sobre as relações humanas e não sobre tecnologia e, deste modo, acabou não tendo tempo de achar o seu público.

Mesmo com o cancelamento, a série conseguiu fechar o seu arco. O final acabou ficando bastante corrido e o epílogo mostrou um vislumbre do que se pretendia explorar ao longo de outras tantas temporadas. Obviamente, escancarou-se ali que Caprica tinha um potencial imenso de desenvolvimento de suas tramas, já que o caminho até a realidade retratada em BSG é muito rico e denso. Espero que o vindouro Blood and Chrome, outro spin-off do universo de Battlestar Galactica, possa dar conta de se desenvolver e explorar as lacunas abertas por tudo o que já foi mostrado. Mesmo que para isso tenha que abrir mão de suas possibilidades narrativas para agradar o público americano.

Narrativa Transmídia

2011-04-29T18:23:00.007-03:00

A revolução da indústria do entretenimento em todas as mídias

Texto: Paulo Roberto Montanaro
Imagem: Bíblias Transmídia

Desde que me conheço por gente, sempre há um termo tecnológico na moda e citado aos quatro ventos. Veio o vídeo-cassete 4 cabeças, o CD, a internet, o ICQ, o DVD, o Orkut, a TV Digital, a Banda Larga, o Twitter, dentre tantos outros. Também vieram a Multimídia que definia o fantástico CD-ROM e a Hipermídia com a internet e a navegação não-linear. Cada qual destes inventos ou apetrechos hi-tec causaram muitas transformações no cotidiano, inicialmente de poucas pessoas e depois foramse alastrando e se popularizando até o ponto onde qualquer um precisa saber do que se trata para não ser chamado de jurássico.

O termo Transmídia, ou narrativa transmidiática (original do inglês transmedia storytelling) é, no meio audiovisual, o termo do momento, graças ao ótimo livro "Cultura de Convergência", de Henry Jenkins. E não é para menos. Algumas das maiores experiências de universo expandido da indústria do entretenimento desenharam alguns dos projetos mais audaciosos e bem sucedidos de divulgação e diálogo com o seu público exatamente trabalhando com estratégias transmidiáticas. Mas, afinal, o que é Transmídia?

O termo é usado para definir um campo que estuda possibilidades de construção de universos, ou mesmo multi-versos, a partir das diferentes interfaces e em torno de um conteúdo narrativo. Neste caso, não se pensa produtos diferentes a partir de uma única matriz, mas sim um único produto a partir das mais variadas formas de comunicação midiáticas. É, desta forma, um fenômeno que se utiliza das mais variadas mídias, interfaces e dispositivos para atingir o seu público com vários elementos narrativos que compõe um todo.

Para ficar mais fácil de se compreender, podemos imaginar um exemplo hipotético. Imagem um filme de ficção científica, onde o autor constrói um universo rico em detalhes, com planetas, civilações, tecnologias, criaturas e tudo mais que uma boa história do gênero pode ter. O longa-metragem, geralmente composto por duas horas centradas em uma linha narrativa com personagens específicos, jornada do herói e tudo mais não dá conta de mostrar toda a mitologia criada e embasada para torna-la crível. O filme se completa, mas não esgota o ambiente criado.

É possível, assim, estabelecer uma série de TV, por exemplo, que serveria como prelúdio daquela trama narrada no filme. Talvez 23 episódios se aprofundando mais na origem de cada um dos personagens. Mesmo assim, há literalmente um universo inteiro para ser desvendado e outras temporadas podem ser criadas a partir do cânone e a série pode se estender até o ponto em que o filme se inicia.

Mesmo assim, há muito o que se explorar. Cria-se então um jogo de videogame para os consoles de última geração, onde o personagem principal é da geração posterior à trama do longa-metragem, algo como um herdeiro de poderes, virtudes ou prestígio. Mas ao contrário do seu predecessor, ele não é o protagonista e sim o grande vilão da estória. Resta ao jogador, de posse de todas as habilidades que foram estabelecidas anteriormente, seja pelo filme, seja pela série, conseguir alcançar um novo objetivo, controlando um ou mais novos protagonistas.

Paralelamente a tudo isso, do outro lado deste pedaço do universo, uma raça desconhecida enfrenta problemas que são resultado dos eventos ocorridos no momento diegético do filme. Cria-se então um segundo longa-metragem que mostra os personagens do primeiro descobrindo tais problemas e tendo que ir até resolve-los, encontrando já a situação bastante avançada. Cabe a uma série de animação, mais curta e com outros protagonistas, exibida na TV, contar o que aconteceu antes dos personagens originais chegarem.

E tudo isso recheado de websódios (ou episódios seriados para internet, geralmente mais curtos que os padrões da televisão), que apresentam pequenos acontecimentos que influenciam na trama principal, ou mesmo jogos de realidade alternativa pela internet, onde o jogador assume o papel de um personagem secundário e passa por situações pararelas ao das tramas do cinema e da TV, histórias em quadrinhos vislumbrando um futuro onde as coisas não acontecem do jeito esperado, um romance abordando a sociedade séculos antes dos acontecimentos da sinopse original, um site corporativo fictício da empresa criada para a trama, dentre tantas outras ramificações possíveis e imagináveis.

Some a tudo isso a participação ativa dos fãs, que acabam, por conta própria e sem nenhum incentivo externo, produzindo conteúdos e compartilhando com outras pessoas que também acompanham a saga. Blogs, fanfics, teorias, debates, fóruns, resenhas, críticas, etc são constantemente alimentados por novas idéias processadas por milhares ou mesmo milhões de mentes pelo mundo. Algumas vezes, criam-se novas mídias tão interessantes quanto às originais, com personagens bem construídos, situações fantásticas e um diálogo com o cânone muito bem costurado. A participação do público é fundamental e parte necessária em uma estratégia transmídia.

Perceba que em nenhum momento, uma mídia simplesmente adaptou a outra. Não há, neste exemplo, a mesma história sendo contada de novo em uma outra linguagem, como é normal acontecer no mundo de entretenimento onde até brinquedos de parques de diversão são adaptados para as telas. Cada mídia se comporta de forma diferente, contando partes de uma narrativa muito mais, cada qual com suas particularidades, compondo um universo e cercando o fã por todos os lados. E cada uma destas partes pode ser auto-suficiente, para que não seja necessário consumir todas as demais para que se possa aproveitar desta. Não é necessário ver a série-prelúdio para se assistir o filme, nem ler as HQs para se jogar o game. Por outro lado, aquele que consegue acessar todas estas informações terá um experiência mais completa daquele universo.

Espero ter introduzido o tema de forma bastante clara, ainda que, no final, virou um emaranhado de coisas que até eu me perdi. Mas espero que logo esse assunto seja desmembrado para que possamos estudar alguns casos, tais como o das franquias Matrix, Star Wars, Lost e Batman. Aguardem novos posts onde esses temas serão abordados à luz do termo da moda, a transmídia.

Referências Bibliográficas

JENKINS, Henry. Cultura da Convergência. São Paulo: Aleph, 2008.

[ Jogo On-Line ] HDOS Databank request 01

2010-11-18T15:46:00.003-02:00

Hoje trago a vocês algo muito perigoso,m principalmente se for aberto no trabalho. Um jogo extremamente viciante e desafiador do site Gamereclaim. É extremamente difícil chegar muito longe sem jogar por muito tempo, talvez horas. Assim como também é gratificante cada fase conquistada. Vale a pena dar uma olhada. Ah... e as frases do jogo para vitórias e derrotas são impagáveis.

http://www.gamereclaim.com/2008/10/hdos-databank-request-01/

Dica do Bebida Liberada

[ Review ] Super Street Fighter IV

2010-11-11T22:00:00.002-02:00

Lembro-me bem: eu e meu primo, lá com os nossos 12, 13 anos de idade, conseguindo ganhar R$ 0,50 do meu pai e correndo para o buteco próximo à casa do meu tio. Não era alcoolismo precoce, nem nada parecido, ainda que também pudesse ser considerado um vício. Era a chance de comprarmos duas fichas para jogar o poderoso Street Fighter II, já esperando que a fila não estive tão extensa assim, como era normal. Ele se dava melhor jogando com o Mr. Bison do que eu com Ken, mas isso não importava muito, já que o que valia era o prazer de dizer que jogávamos o melhor de todos os jogos de luta.

Faz tempo. Talvez 12... talvez 15 anos. Não fiz as contas. Mas a sensação daquele tempo, enfim, voltou quando eu não esperava mais que um jogo de luta poderia trazê-la de volta. E, de novo, tinha que ser Street Fighter, agora na sua quarta versão. Quer dizer... tenho preguiça de contar quantos jogos com essa marca foram lançados desde o clássico SFII, como o terceiro e não tão memorável terceiro episódio, a série Alfa, que eu até gosto bastante, a série EX com a tentativa não muito bem sucedida de levar os personagens para o mundo 3D, além de tantos "versus", bastante divertidos, mas que sempre estiveram longe de serem clássicos como aquele do fliperama no buteco fedido da esquina. De todo modo, a cronologia oficial coloca esta nova versão como a quarta de uma série curiosa, já que não conheço ninguém que tenho jogado Street Fighter I (que pelo que li por aí tinha mais a ver com beat'up e não com luta propriamente dito), e a terceira, ainda que muito boa tecnicamente, não empolgou ninguém de verdade.

Os tempos são outros, os jogos de luta perderam popularidade, sendo que poucos dos garotos da nova geração se importam com estes games, mas Street Fighter sempre será Street Fighter. E a nova versão faz uma grande homenagem aos fãs da franquia, com um jogo simples, divertido, empolgante e viciante como fora o seu sucessor mais famoso. Nada de controles complicados, combos super complexos ou comandos impossíveis. Eles até existem, mas ninguém precisa fazer bolhas nos dedos para se divertir aqui (ainda que as vezes seja inevitável que elas apareçam).

Como sempre, a história do jogo pouco ou nada interessa. Tanto que até agora não me interessei em saber que raios de criatura é o chefe final, Seth. O que vale mesmo aqui é o quebra pau no melhor sentido do termo, decendo a lenha em todos os adversários, sejam eles colegas ou o computador apelão. Afinal, estamos falando de um dos jogos que mais despertam a ira de quem perde. Atire a primeira pedra quem nunca reclamou e se descabelou com o Bison defendendo até sopro e contra-atacando com o tal do pilão até acabar com a nossa raça? O que mudou quanto a isso? Nada! O chefe final dá desespero as vezes, principalmente jogando com personagens lentos. Mas, como sempre, o melhor golpe é a boa e velha rasteira. Enfim, contra a apelação, apela-se!

O jogo conta com uma gama bastante diversificada de personagens e cenários, cada qual com expressões e movimento bastante característicos, mantendo sempre os gestos clássicos, sem perder a vocação de evolução. Os novos personagens se encaixam bem nesse universo e se mostram bastante interessantes, ainda que dificilmente alcancem o charme dos antigos. Afinal, quando é pra valer mesmo, Ryu, Ken e Sagat sempre vão estar lá. Estranho as vezes são as escolhas de cenários. Ainda que as lutas aconteçam no país do desafiado, algumas vezes parece estar descaracterizado do próprio. Mas mesmo estes não deixam de ser mais um agrado para os jogadores de longa data. Aliás, a nostaugia parece ter tomado conta mesmo da equipe de criação. Músicas, a fase bônus de arrebentar o carro, os finaizinhos mequetrefes de cada personagem... está tudo lá como nunca deixou-se de gostar. E o resultado não poderia ter ficado melhor.

SSFIV, uma evolução de SFIV, enfim, é um ótimo jogo de luta para os saudosistas, mostrando que enfim percebeu-se que esse gênero foi feito para o 2D, assim como os jogos de plataforma, como Sonic the Hedgehog ou Super Mario World. Mortal Kombat parece estar buscando a mesma linha. A jogabilidade em duas dimensões é o grande trunfo do jogo, que não inventa nesse sentido e aposta no que funcionou tão bem sempre. Ainda que os recursos gráficos da nova geração possibilitem uma renderização de personagens e cenários muito bem detalhada em um 3D estilizado, o jogo segue sua fórmula simples e clássica de meia-lua e soco. Por isso, é obrigatório na coleção de todo mundo que, assim como eu, estava naquela fila doido para passar raiva quando chegasse no Bison. e que, mesmo assim, saia "disparando raduguem" no meio da rua.

Super Street Fighter IV

Desenvolvedora: Capcom

Ano de lançamento: 2010

Plataformas: PCs, X-Box360 e PS3

Personagens jogáveis: Ryu, Ken, Chun-Li, Guile, E. Honda, Blanka, Dhalsim, Zangief, M. Bison, Balrog, Sagat, Vega, Akuma, Abel, C. Viper, El Fuerte, Rufus, Seth, Akuma, Dan Hibiki, Fei Long, Cammy White, Sakura Kasugano, Gen, Rose, T. Hawk, Dee Jay, Adon, Cody, Guy, Ibuki, Makoto, Dudley, Juri, Hakan

[ Preview ] Nikita - 1ª Temporada

2010-11-10T22:00:00.001-02:00

Quando se anunciou a produção de uma nova versão do seriado Nikita, pela CW, houve muita desconfiança sobre como, porquê e quem estava trazendo de volta a personagem que foi trazida ao público pela primeira vez em 1990, no filme La Femme Nikita, de Luc Besson, e que esteve presente na TV por cinco temporadas, entre 1997 e 2001.

Aos poucos, esses sujeitos começaram a ser revelados. McG, diretor de filmes como As Panteras e O Exterminador do Futuro - A Salvação é quem leva a série enquanto produtor executivo para a CW. A atriz havaiana Maggie Q protagoniza a trama como a mercenária vingativa que empresta o nome à série. Ela é conhecida do público do cinema por participações em blockbusters como Duro de Matar 4.0 e Missão Impossível III, e até mesmo de quem conhece um pouco mais sobre quem trabalha em jogos por ter participado de Need for Speed: Undercover. Ou seja, nomes de peso da indústria do entretenimento se mostraram envolvidos e a coisa começou a ficar mais interessante.

Alguns episódios exibidos foram definitivos para mostrar a que a série veio. E é uma ótima proposta. Ainda que a narrativa não seja lá muito original, o trabalho de direção em cada episódio e a construção de personagens são muito bem executados. A ação é bem dosada, foge dos exageros comuns em produtos de McG e é bastante convincente. A interpretação, tanto da protagonista quanto dos demais, é muito interessante por permitir que a personalidade de cada um não fique em pontos rasos e maniqueístas. Além disso, a história é muito bem amarrada e, mesmo não tendo até então um grande fio condutor, prende o espectador e sempre deixa a vontade de ver o próximo episódio.

Enfim, é uma ótima série e, dentre as estreiantes deste fall season, certamente uma das melhores. A tendência é que seja renovada e tenha uma vida longa nas telinhas.

Antes tarde do que mais tarde...

2010-11-09T22:12:00.002-02:00

Pois é, pessoal! Quase oito meses distante destas postagens. Mais de um ano sem novidades aqui no PIS. Mas para quem achou que era o fim deste exercício de botar a cachola para funcionar acerca de todo e qualquer conteúdo audiovisual, cá estou eu, tirando o blog do limbo, quase que como um morto-vivo, para uma nova fase.

Agora com dois anos de existência, há novidades que estarão presentes aqui e espero que somem ainda mais a esse pandemônio de imagens e sons. Estive fora do ar por causa da minha famigerada dissertação de mestrado, e agora que, enfim, ela foi entregue, o tempo para o blog volta e estar na minha pauta. Dentre as coisas novas, vamos ter análises e diálogos sobre quadrinhos, mais debates sobre games, os bons e nem tão velhos seriados e, claro, muito cinema.

Então, para os heróis que estão lendo estar palavras, muito obrigado por não abandonarem o barco. Espero que vocês não se decepcionem.

Vamos que vamos, PIS!

Nuit Blanche

2010-02-12T11:34:00.002-02:00

Sem palavras... simplesmente fantástico esse curta.

Nuit Blanche from Spy Films on Vimeo.

Para comemorar a chegada da última temporada de Lost...

2010-02-01T22:15:00.008-02:00

Pois é, pessoal... uma das melhores séries de todos os tempos (e que nã minha humilde opinião é a melhor, ainda que eu não tenha todas as séries de todo o universo) está entrando em poucos dias em sua última temporada que promete fritar os miolos de muita gente. Se você é como eu e quer ficar longe de spoilers, então seja bem vindo., Segue abaixo uma listinha de postagens feitas no ano passado, traçando perfis de cada um dos personagens centrais do seriado, considerando até a quinta temporada. Ou seja, spoilers free! E que venha a sexta temporada... se o fim é inevitável, se seja inesquecível...

Jack Shepard: Jack Shepherd é um cara complexo. O bem sucedido cirurgião de coluna, tão centrado, comprometido e cético, tinha bases frágeis para suas certezas. E a transformação do Homem da Ciência que bateu de frente com a fé de Locke durante toda a série, em... Leia mais!

John Locke: Locke é um desafortunado. Um homem escolhido pela vida para passar por todos os tipos de provações possíveis. Nasceu prematuro, doente e órfão de pai; foi levado para adoção pela avó. Enfrentou tragédias em sua família adotiva, foi... Leia mais!

Kate Austen: Uma mulher marcada pela culpa. Talvez seja muito raso definir Kate assim, mas não deixa de ser oportuno. Marcada por ter assassinado o pai e ter sido diretamente culpada pela morte de seu amor de infância, Kate encontra na ilha, como muitos outros, a chance de... Leia mais!

Juliet Burke: Juliet Burke é a personagem de quem as mulheres podem se orgulhar em Lost. Figura feminina emblemática, Juliet é meiga e forte. Representa a determinação e a fragilidade que tornam as mulheres seres tão míticos. A loira consola, releva, mas sabe atacar... Leia mais!

Hugo "Hurley" Reyes: Hurley não tem malícia. E em um sentido bem amplo. Dentre todos os personagens principais de Lost, e mesmo se comparado à grande maioria de todos os que passarem pela Ilha, ele se mostrou aquele que menos se preocupou em... Leia mais!

James "Sawyer" Ford: O tigre que mudou as listras. Assim James Ford assumiu quase que por completo a personalidade de Sawyer. Se não totalmente, praticamente. E se a redenção culminou em mais uma perda, o que será do agora do... Leia mais!

Sayid Jarrah: Ao contrário dos seus mais diferentes companheiros, Sayid parece ter tido sucesso no relacionamento com seu pai. Era motivo de orgulho para o patriarca da sua família, sendo sempre o fator de comparação para o seu irmão. Cresceu no Oriente Médio e serviu à... Leia mais!

Benjamin Linus: Benjamin Linus é sensacional por causa de Michael Emerson ou Michael Emerson é sensacional por causa de Benjamin Linus? É difícil responder esta pergunta, mas arrisco dizer que o ator é imprescindível para o carisma do personagem e que... Leia mais!

Desmond Hume e Penelope Widmore: Pode ser que todos os passageiros do vôo 815 tenham caído naquela ilha, juntos, para encontrarem uns nos outros a redenção. Pode ser que os Outros, liderados por Ben e por Richard realmente não sejam os malvados da história e mesmo as... Leia mais!

Jin e Sun Kwon: Triste coisa é querer bem a quem não sabe perdoar, disse um poeta. Por uma linda estória de amor, Jin e Sun sabem como poucos a praticar o perdão. Ao menos um com o outro. A bela estória dos dois ultrapassa... Leia mais!

Crítica da quinta temporada: Como se já não bastasse a overdose de opiniões, teorias, comentários, análises e devaneios sobre o último episódio da penúltima temporada de Lost, que foi ao ar na TV americana no dia 13 de maio, vou aqui dar os meus pitacos, ainda no furor de ter visto o episódio com uma... Leia mais!

Lembrando que os textos linkados aqui foram escritos em parceria com a Karen Cristina, do ótimo Defenda a Ilha, que está firme e forte na cobertura da última temporada do seriado. Mais uma vez, obrigado Karen pelo ótimo trabalho em equipe.

Os Cavaleiros do Zodíaco - The Lost Canvas

2010-01-06T17:06:00.006-02:00

Fica mesmo muito estranho a mistura de português e inglês para uma animação japonesa (!), mas a identificação assim fica mais evidente. Sendo assim, vamos ao que interessa, que é a mais nova série animada de um dos maiores ícones animês do mundo, sobretudo aqui no Brasil, onde a série original fez estrondoso sucesso na época de sua exibição na extinta TV Manchete e que até hoje é reprisada por outras emissoras abertas e fechadas. The Lost Canvas estreiou no Japão no ano passado, sendo lançado sempre em DVDs com episódios duplos. No momento, já foram lançados ao todo 8 episódios, ou ovas, e já é possível ver que não é só um sub-produto caça-níquel.

Resumindo, o animê é ambientado na geração anterior dos cavaleiros, na guerra santa citada algumas vezes na Saga de Hades da série clássica. O Deus do Submundo encarna, desta vez, em Alone, irmão de Sasha (que sabemos logo de cara que é a reencarnação de Athena) e amigo de infância de Tenma, que mais tarde se tornaria o Cavaleiro de Pegasus. Dá-se então início a uma nova batalha entre os dois deuses e seus seguidores, cujo final já se tem uma idéia (já que a história é contada por Dokko, último sobrevivente da guerra, nos tempos atuais). Resta sabermos quais os caminhos tomados por cada personagem até chegar ao inevitável final.

Muito pouco da série clássica pode ser vista até aqui. A começar pelo traço, que é completamente diferente entre um e outro, o que deixa claro que os produtores, dentre eles o criador Kurumada, querem que TLC tenha vida própria. Assim, as batalhas, os diálogos e a dinâmica de cena são absolutamente diferentes. Há mais agilidade nas lutas, que se abstêm de muitas explicações e diálogos longos e repetitivos. Muito disso se deve sim à série clássica, onde as grandes explicações já foram dadas. O que é o Cosmo, o que é o sétimo sentido, quais são os golpes de tal cavaleiro, como eles funcionam, o que acontece com o oponente, o que é o Santuário, quem é Athena, como são organizados os cavaleiros... tudo isso já foi explicado milhares de vezes e aqui pode-se dar mais espaço à ação e ao desenrolar da história.

Aliás, outro ponto alto de The Lost Canvas é o narrativa, trabalhada de forma fantástica e muito mais envolvente e orgânica. Cada cavaleiro tem aqui o seu valor e sua função, a história tem diversos núcleos narrativos (ainda que sempre aborde um de forma mais específica), sendo que cada personagem tem seu espaço para crescimento. Dos cavaleiros de bronze, ao contrário do que se poderia esperar, apenas Pegasus e Unicórnio foram apresentados de fato, sendo que os outros quatro cavaleiros que tomaram papéis principais anteriormente sequer foram apresentados. Assim, fica a dúvida se Cisne, Dragão, Fênix e Andrômeda terão papéis fundamentais também nesta saga. Obviamente, quem acompanha o mangá pode ter respostas mais completas para esta questão, mas preferi não ver nenhum spoiler sobre o assunto e, portanto, minha única fonte são mesmo os episódios.

Enfim, o saldo é bastante positivo. Mesmo sendo fã da série clássica, de forma até mais sentimental do que racional, sempre vi problemas sérios em toda sua trajetória, tais como explicações exageradas, furos no roteiro e traço variante entre bom e péssimo. Felizmente, nenhum dos tais problemas surgiram até aqui em The Lost Canvas e tomara que siga assim. O animê é interessante, artisticamente muito belo e um prato cheio que expande sensivelmente a mitologia acerca do universo criado nas páginas do mestre Kurumada. Vida longa a Athena!

Imagens retiradas do site http://www.cavzodiaco.com.br

Abaixo, a abertura em português:

Jogo On-Line - 8 Ball Quick Fire Pool

2009-12-22T21:40:00.005-02:00

Já se vão mais de 15 anos do sucesso de Side Pocket no SNES, talvez o mais famoso e marcante simulador de sinuca que já existiu. A jogabilidade simples ao alcance de qualquer um, mesmo que não entenda as regras do jogo real era o ponto máximo deste jogo que tirava horas de seus jogadores sem cansar. O tempo passa e buscando um jogo que desse o mesmo nível de diversão, encontrei 8 Ball Quick Fire Pool, no ótimo Miniclip.com. A estrutura é simples e basicamente a idéia é acertar todas as bolas do rack no menor tempo possível. Nenhum segredo, a não ser habilidade e concentração. Uma ótima dica de diversão!

http://limao.miniclip.com/games/8-ball-quick-fire-pool/br/

Avatar

2009-12-20T11:25:00.004-02:00

Há algum tempo, algumas notícias sobre os possíveis novos projetos de James Cameron começaram a rodar na internet. Não tardou para se anunciar que esse novo projeto seria um filme chamado Avatar... e somente isso. Trama e todos as demais informações sobre o projeto foram por muito tempo, mantidos em sigilo. Muito tempo se passou, a tecnologia 3D e tantas outras mais se desenvolveram com uma velocidade impressionante e chegou-se a resultados impressionantes com tais avanços. Aos poucos, porém, algumas informações sobre o tal novo projeto de Cameron começaram a aparecer e algo parecia realmente gigantesco. A partir disso, Avatar se transformou em um dos filmes mais esperados da década e, no meu caso, aquele que eu mais queria ver na tela grande. A história do cinema mostra que grandes expectativas geram grandes decepções, mas felizmente esse não foi um caso. Avatar é fantástico do começo ao fim, nascido e criado para ser tão grandioso quanto o projeto se mostrou ser e quanto o orçamento do filme prometia. Se será um sucesso, ainda é cedo para afirmar, mas na minha opinião, Cameron acertou de novo.

O filme já inicia dizendo a que veio. Ocupando a tela do cinema em sua totalidade, tal como os grandes épicos, apresenta cada personagem, como manda a boa cartilha de roteiro. Conhecemos suas histórias, suas motivações e suas personalidades. Jake (Sam Worthington) é um ex-fuzileiro naval que toma o lugar do seu irmão no projeto que dá nome ao filme. Grace (Sigourney Weaver) é botânica e tem uma personalidade bastante forte e Neytiri está muito ligada a suas tradições e ao que manda seus sentimentos. Os demais personagens seguem na mesma linha, cada qual assumindo seu papel nessa história que de original não tem absolutamente nada. Aliás, a trama é um dos fatores que está gerando algumas críticas ao longa, mas sinceramente acho esse um ponto muito pequeno. Ainda que realmente seja uma linha narrativa já vista em muitos filmes como O Último Samurai, ou até Dança com Lobos, aqui não é a história que se conta o mais importante, mas sim a forma como ela é contada. E essa escolha está muito clara o tempo todo. Cameron buscou em uma história universal, muito segura e muito simples narrativamente para aplicar tudo aquilo que tinha imaginado e que só agora a tecnologia por ele mesmo desenvolvida permitiu.

Assim, para ficar mais claro, o filme fala de Jake, enviado ao planeta Pandora para assumir o lugar de seu irmão gêmeo no programa Avatar. O interesse dos humanos no lugar é simples e direto: estão atrás de uma substância valiosíssima que existe em abundância por lá, mas que é de difícil coleta por estar no terrítorio dos Na'vi, raça humanóide nativa. Cabe então a Jake, assumindo o corpo de um Na'vi produzido a partir da mistura do DNA de seu irmão com o DNA nativo, convencer aquele povo a deixar o lugar, além de aprender seus costumes e suas motivações, misturando-se àquele eles. É nesse momento que ele encontra Neytiri e, bem, a história de auto-conhecimento e de revalorização de si e do outro segue seu curso. O final está claro desde o início e cabe ao espectador acompanhar as 2h40min do filme para saber o "como" tudo irá acontecer. E, como dito anteriormente, é esse o grande diferencial do longa: a forma como a história é contada é magistral, sendo um espetáculo audiovisual do início ao fim. A tecnologia permite que cada tomada esteja cheia de movimento, de vida e de energia. É como se Pandora, de fato, respirasse na tela e se materializasse em nossas mentes.

O trabalho de quase uma década do diretor está escrito em cada detalhe. Ele simplesmente criou um planeta absolutamente do zero, estabeleceu um fauna e uma flora riquíssimas em detalhes, cada qual com sua particularidade. É um ecossistema fantastico e completo não só no sentido de cadeia alimentar, mas de funcionar com a mais precisa harmonia entre cada um dos elementos. Plantas, animais, terreno... tudo cheio de detalhes que parecem ter sido pensados literalmente um a um e depois como parte do todo. Se o filme deveria mostrar que os Na'vi estão realmente conectados àquele lugar de uma forma quase que simbiótica, essa vida e essa energia que percorreria o planeta todo como um único organismo deveria convencer e de fato está lá. As comparações com a teoria de Gaia não são pura coincidência e a grande mãe está entrelaçada nessa idéia de tudo como parte de um. E Cameron também teve que desenvolver um conceito religioso e espiritual que estivesse ligado a toda essa sinergia entre Pandora e seus habitantes. Chega um momento em que nos perguntamos como é que não poderia ser daquele jeito. Cada detalhe foi pensado para completar um único conceito e nos convencer que Pandora pode ser muito mais real e complexo do que nós podemos ver em nosso próprio planeta.

O elenco, ainda que não tão carismático como os de outros sucessos do diretor, não faz feio. Worthington consegue dar vida ao seu avatar de forma heróica, enquanto se mostra frágil e abalado pela sua condição humana. Weaver já tem uma ligação íntima com a temática alienígena por ser ícone de um dos maiores sucessos de ficção científica de todos os tempos, Alien - O Oitavo Passageiro, e também consegue dar muita humanidade para sua personagem, que hora está satisfeita em seu avatar, hora é resmungona e enquanto mulher. Já Saldana, que não tem o referente humano, está fantástica no papel da jovem Neytiri. Sua expressividade lhe confere muita verdade às palavras e na forma corporal de se comunicar. Se talvez há uma certa desvantagem decri-cri Avatar em relação a Titanic, por exemplo, é a força de seu casal protagonista em assumir um papel no imaginário do público. Não é por um alienígena azul que as meninas vão suspirar por anos tal como fizeram e fazem por Di Caprio, e pode ser que essa questão tire público e repercussão do filme. A trilha, muito emocionante e bem desenvolvida, organicamente ligada às imagens, também pode não ser tão marcante pela falta de uma canção com a força My Heart Will Go On. Ainda que tenha uma mesma linguagem, a música tema I See You não demosntra que tocará nas rádios ou que será baixada à exaustão na internet.

Com tudo isso, Avatar é sem dúvidas um dos maiores espetáculos audiovisuais de todos os tempos e ficará marcado como tal por muitos e muitos anos. Se não tem o mesmo apelo do maior sucesso de bilheterias da história do cinema, tem potencial para se tornar referência visual para a posteridade. Nesse quesito, há o antes e o depois deste filme. A história é a mesma, mas a forma de contar deu um salto gigastesco. É como se lêssemos um conto no papel e ouvíssemos a mesma história daquele avô que sabe como contá-la de forma emocionante. Não é o fim que importa, mas o caminho que se seguiu entre o início e o final. E nesse ponto, Avatar é irretocável.

Distrito 9

2009-12-17T21:22:00.004-02:00

Depois de muito hype, da grande expectativa que essa produção de Peter Jackson causou na Comic-Con em San Diego e de uma premissa muito bacana e, de certa forma original, Distrito 9 acabou por ser um dos filmes mais esperados do ano. De um modo ou de outro, a fita é realmente surpreendente, construída em uma linguagem bacana e, principalmente, abordando uma temática delicada como uma quase-não-metáfora. Afinal, o tema da segregação que é o mote do filme não é tratado no sentido figurado, mas sim de forma efetiva. A diferença é que temos ali um povo alienígena. Substitua essa raça por qualquer outra cultura humana diferente do branco europeu ocidental e você encontrará várias situações vividas parecidas de fato pela história da humanidade. Todavia, o longa de Neill Blomkamp escorrega em alguns aspectos que acabam prejudicando um pouco o produto final.

Antes de falar dessas características, vale uma pequena sinopse: O longa começa contando a história de uma nave alienígena que fica "estacionada" nos céus de Joanesburgo, sem qualquer sinal de ser uma invasão hostil ou uma visita amigável. Simplesmente, fica ali. Quando os humanos, curiosos como sempre, conseguem adentrar o casco da nave, encontram uma galera e, sem saber o que fazer com esse povo todo, que a essa altura já estava bem doente, acabam os instalando provisoriamente em um acampamento, chamado Distrito 9, logo abaixo da espaçonave. Como a burocracia humana é lenta e empurra tudo com a barriga, o que era provisório se torna permanente e o acampamento se torna uma favela. Os visitantes, que acabam se tornando de fato habitantes da Terra incomodam demais os humanos locais e, depois de 20 anos de conflitos e segregação, as autoridades decidem transferir a população alienígena, que crescera quase 100% em duas décadas, para um outro local mais distante das cidades humanas. Um dos responsáveis pela transferência, Wikus Van De Merwe (Sharlto Copley) acaba se contaminando ao entrar em contato com um fluido bizarro em um dos barracos e isso acaba lhe causando problemas, o que será o centro narrativo do filme.

Não por acaso, Distrito 9 foi rodado na África do Sul, e está o tempo todo tratando diretamente e sem meias palavras de segregação racial, de preconceitos de todos os tipos, de desrespeito, de intolerância e todo e qualquer conflito que o choque de culturas diferentes pode causar. Uma das grandes sacadas do filme é não fazer isso através de meias palavras. É tudo muito direto e explícito, mostrando uma coragem ímpar em tratar do assunto. Qual é e qual sempre foi a reação humana ao se deparar com o diferente? Qual é a primeira atitude que se toma ao se deparar com o outro que não segue os mesmos costumes, as mesmas normas de conduta e as mesmas convenções sociais com as quais estamos acostumados e que se materializam em nossas mentes como verdades absolutas? Como dito anteriormente, a história da humanidade conta com dezenas de capítulos que mostram as reações a esse "outro".

A linguagem narrativa também se mostra bastante arrojada. Ainda que não exatamente original, é extremamente incomum, principalmente para esse tipo de produção. A quarta parede é quebrada e o que vemos é um combinado de vários tipos de imagem e som, sejam eles captados por mecanismos diegéticos ou não. Ou seja, há sim as cenas narradas em terceira pessoa, que busca a transparência e a oniciência, mas há também momentos de depoimentos póstumos ao acontecimento, em uma clara alusão a esses documentários onde especialistas falam do ocorrido pela sua ótica profissional. Há também imagens de câmeras de segurança ou mesmo imagens de cinegrafistas que eram também personagens do filme, cada qual com a sua função narrativa. A soma de todos esses pontos de vista busca cobrir todo e qualquer discurso, ainda que em nenhum momento haja uma incoerência ideológica. Mesmo que os aliens não sejam mostrados como coitadinhos indefesos, o vilão do filme é o ser humano e isso é muito claro. E o mote é realmente quando um deles se vê em situação invertida. É a velha história do "se você estivesse no meu lugar..."

Ainda assim, nem tudo são flores. O filme se perde no excesso de didatismo ao dar ao expectador tudo mastigadinho sem deixar espaço para a interpretação. Talvez para não correr certos riscos de entendimentos dúbios, a produção está o tempo todo nos bombardeando com as informações literais do que está exatamente acontecendo, as vezes repetindo em texto o que se vê e vice-versa. É como se ainda não tivéssemos a possibilidade de identificar o que está sendo mostrado, de perceber sobre o que o filme está tratando de verdade. O excesso de clichês também parece contribuir para essa busca do fácil entendimento. Todos os arquétipos estão ali e só não pode ser entendido como uma livre adaptação de Hulk pela falta de uma Betty Ross. Cada personagem apresentado já traz consigo todas as suas características. Já sabemos quem será o escroto, quem será o mocinho, como cada um vai agir e até quais situações serão abordadas. É uma receita de bolo no lugar de roteiro onde só se trocam os morangos por uvas e pronto: temos uma coisa diferente.

No mais, a produção é bem cuidada, os efeitos especiais estão bem satisfatórios, principalmente levando-se em conta que é um filme de baixo orçamento (visto que 30 milhões de dólares é uma miséria em termos de ficção científica na indústria do cinema e, só a título de comparação, Avatar custou 400 milhões, ou seja, cerca de 13 vezes mais). Obviamente que o final abre espaço para continuações e a história permite mesmo que se contem novos capítulos de um plot realmente inteligente e interessante. Tomara que nos próximos capítulos, caso realmente aconteçam, os responsáveis tenham com a narrativa a mesma coragem que já tiveram com o tema. Certamente, o universo dos próximos distritos terá realmente algo a acrescentar ao gênero e ao cinema como um todo.

A Saga Crepúsculo: Lua Nova

2009-12-14T20:46:00.006-02:00

E não é que no final das contas, eu acabei me rendendo à toda histeria? Depois de algumas semanas resistindo ao burburinho, lá vou eu assistir a mais nova produção baseada na série de filmes escrita por Stephenie Meyer. Continuação de Crepúsculo, Lua Nova embarca no fenômeno alcançado pelo seu predecessor e aposta na mesma linguagem adolescente que conquistou multidões de garotas de 12 anos pelo mundo inteiro (independentemente da idade do R.G.). E lá estou eu em um domingo chuvoso, na já esvaziada sala de cinema da quarta semana do filme em cartaz, evitando assim suspiros e gritos alucinados a cada camiseta arrancada, a cada palavra melada ou a cada declaração de amor eterno.

Tecnicamente, Lua Nova é muito melhor que Crepúsculo. Talvez mais dinheiro tenha ajudado, mas há um certo profissionalismo mais evidente no filme, que agora tem cara de cinema, de fato, já que o anterior tinha cara de uma versão infantil do seriado True Blood. O roteiro é bem amarradinho e tem um ritmo interessante, ainda que a primeira parte pareça se arrastar mais do que deveria. A fotografia é bonita e em momento algum transparece alegria, luz, ou liberdade. É sempre melancólica, tal como a personagem se mostrava depois de ter sido abandonada. As interpretações não comprometem, a não ser pelo fato de que atores de 25 ou 30 anos continuarem a interpretar garotos de 16 com a maior cara-de-pau, e essa idade acaba sendo bastante martelada no filme, já que além do abandono, o passar do tempo também se mostra um problema para a protagonista Bella. No mais, efeitos especiais convincentes e adequados já são uma ótima evolução se comparados aos efeitos meia-boca de Crepúsculo. E a comparação é sempre inevitável, já que cada qual é uma parte de um grande e único filme, ou como eles gostam de chamar, saga.

O que mais incomoda mesmo é a trama construída a partir de um plot, ou de um ponto-de-partida, ruim. Depois de passar poucas e boas para ficar com a garota, Edward decide se afastar dela para tentar protegê-la, abandonando-a independentemente da vontade dela. Isso a faz definhar e sofrer, principalmente pelo papo-furado que ele usou como desculpa para partir de que ela não é boa o bastante para ele. Tudo bem que a grande metáfora do sacrifício pela amada está ali e é tudo o que o público espera, mas nem mesmo a novelinha global Malhação usa mais de um enredo tão fraco. E olhe que o rapaz tem 109 anos e, teoricamente, teria um tempo de amadurecimento e de entendimento das coisas para saber que esse tipo de afastamento não ajudaria em nada a ele ou a ela. Mas enfim, o rapaz parte e some na primeira metade do filme, deixando caminho livre para Jacob se aproximar de Bella. Algumas camisas arrancadas, sorrisos amarelados e mais camisas arrancadas e o casal já troca aqueles olhares que todos sabem o que significam até que a história se repete e ela descobre o segredo do garoto, iniciando um novo drama.

No final, obviamente que tudo o que todos estão esperando acontece e não cabe a esse texto descrever o desfecho que a essa altura não é segredo nem pra quem nunca ouviu falar do filme. O fato é que a narrativa tem todos os elementos que precisa ter e, se há algo que Hollywood sabe fazer bem é dar ao seu público o que ele quer. Está tudo lá: romance, barrigas definidas, adolescentes em crise de identidade, aventuras, amor acima de tudo, hormônios à flor-da-pele... o longa é uma amálgama de situações para causar a tal identificação do público com os personagens. Faltou um pouco mais de leveza, de momentos de alívio cômico, já que a situação pode causar ótimas pequenas piadas que dariam aquele respiro durante a trama sempre muito pesada, mas a estética emo de sofrimento 24 horas diárias por amor não permitiria tal licença e, desta forma, tudo é sério demais. Se para quem já passou dos 20 anos, os dramas de Bella podem soar ingênios e coisas da idade, para quem tem menos é a representação do mundo caindo sobre si.

Sinceramente, não há nada na Saga Crepúsculo que não haja em True Blood. A diferença é que nesse segundo, a série de TV citada anteriormente, tudo parece muito mais maduro. A tal da tensão sexual está lá, só que bem mais resolvida, permitindo ao drama dar um passo além. Mesmo a crise do romance de um vampiro e uma humana, a passagem do tempo, a aceitação, o preconceito, a garota especial, tudo está lá, só de uma forma que pode evoluir para outros aspectos. Não há dúvidas que o universo criado por Meyer é bacana, mesmo não sendo a coisa mais original do mundo, e é possível que se explore esse universo para além de dramas adolescentes. Uma das cenas finais onde há os conflitos entre vampiros é um bom exemplo disso e uma das únicas cenas que realmente valem a pena, não só pela ação, mas também e principalmente pelas relações que se dão entre os personagens para além do romance que todo mundo já está cansado de acompanhar. Há muito mais além do simples maniqueísmo entre os bons e os maus, os vegetarianos e os carniceiros, os que gostam dos humanos e os que os detestam. Há variantes, há meios-tons que poderiam estar na primeira linha da narrativa. Mas tudo o que a cena conquista é deixada de lado no final, mostrando que o que importa de fato é quem vai ficar com quem. Uma pena.

Engraçado que esse é um dos poucos momentos onde a grande maioria das críticas negativas não significam nada. A forma como a franquia se estabeleceu enquanto meio de identificação com um público tão fiel é tão forte que é como a paixão de Bella por um vampiro ou mesmo o desejo dela de se transformar em um deles. Não importa o que os outros digam, não importa o que a razão diga. Ninguém mudará a opinião dela e tudo terá que ser do jeito que ela quer. Do mesmo modo, não importa o que se diga do filme. Este é a grande projeção pessoal dos fãs e, desta forma, como todos os sonhos e desejos, é perfeito. Bom para os fãs e bom para o bolso dos produtores.

Star Wars - Episódio I: A Ameaça Fantasma

2009-12-08T15:18:00.006-02:00

Depois de algumas décadas, o universo Star Wars voltou às telas do cinema, não com uma nova saga de Luke Skywalker ou Han Solo, mas com uma nova trilogia que conta o que ocorreu para se chegar ao confronto apresentado em Star Wars - Episódio IV: Uma Nova Esperança. Fica claro aqui que a saga não é sobre a ascensão de Luke, um garoto com uma vida sofrida qualquer em um planetinha qualquer, à um cavaleiro Jedi, mas sim o caminho de Anakin Skywalker, partindo de um garoto criativo e curioso até se tornar o Sith mais temido do universo. A proposta é, desta forma, contar as histórias das quais só se ouviu falar nos filmes anteriores, como as guerras clônicas, o treinamento de Anakin enquanto aprendiz de Obi-Wan Kenobi e tudo mais, focando na evolução de personalidade e atitudes do talentoso garoto que poderia ser o equilíbrio da Força e que se deixou seduzir pelo lado negro dela. Star Wars - Episódio I: A Ameaça Fantasma é então trazido à vida, dando uma nova roupagem para o visual da série, buscando resgatar a empatia que o público criou com os personagens clássicos para contar uma nova-velha história.

De início, a intensão é realmente mostrar que estamos tratando de um lugar comum e de uma história muito mais complexa do que se poderia prever de longe: conflitos, Senado, Federação do Comércio, invasões de territórios e tantas outras tramas políticas já são jogados ao espectador durante o clássico letreiro com o tema magistral de John Willians. Assim, já somos jogados em uma situação de conflito, onde Jedis são enviados para negociação. Dentre eles, o jovem aprendiz Obi-Wan. Fica claro nessa cena de abertura que a tecnologia permite que as batalhas e as criaturas imaginadas por George Lucas se tornem possíveis. No que se segue, vemos o intrincado ponto de partida se resumir em duas partes: a primeira é a trama de Anakin e os jedis em Tatooine, que culmina na vitória do garoto em uma corrida de pods e na sua libertação da condição de escravo. Ainda que não tenha sido nem um pouco importante para a trama - teoricamente, a aposta feita na corrida serve para que se conserte a nave Nubian que transporta os cavaleiros e a princesa Amidala, e se liberte o garoto, mas obviamente que dois cavaleiros jedis poderiam conseguir ambas as coisas de um povo pouco evoluído belicamente, como pareceu, de outra forma. Ainda assim, a cena é muito bem produzida e divertida. Visualmente, a melhor cena do longa e certamente uma das melhores de toda a saga.

A segunda parte trata da batalha em Naboo, esta mais interessante para a trama. Se Jar Jar Binks é um personagem nem um pouco adorado pelos fãs da série, seu povo protagoniza uma batalha muito bacana contra o exército separatista de dróids. Ainda que exagerada na parte cômica, foi a primeira vez que uma batalha produzida basicamente com personagens em computação gráfica conseguiu atingir um nível épico e gigantesco. Ainda que os Stormtroopers sejam insubstituíveis, não se pode dizer que fizeram falta nessa cena ou no filme inteiro. Nesse ponto, o filme acerta em cheio exatamente no ponto que erra feio: a tecnologia trouxe à saga um novo patamar, mas também deslumbrou tanto a produção que se esqueceu de desenvolver melhor os personagens, seu carisma e suas relações, ponto fundamental na trilogia original. O filme é super-saturado de efeitos belíssimos, mas que não conseguem suprir os defeitos do desenvolvimento dos personagens e os buracos no roteiro.

Não que o elenco seja ruim. Longe disso. Nomes como Liam Neeson, Natalie Portman e Ewan Mcgregor dão um show, guardadas as devidas proporções, em seus personagens. Mesmo os personagens digitais são muito convincentes em suas expressões. Exceto pelo garoto robótico que interpreta Anakin criança, não há o que se questionar no trabalho dos atores. O problema é realmente o desenvolvimento dos personagens na trama. Se os diálogos de Lucas sempre foram sofríveis (para não dizer vergonhosos), aqui fica ainda mais evidente a fraca coerência nas ações e relações que cada um dos personagens desenrola durante o filme. Ainda que se tente trazer ao filme elementos que o liguem com a saga original, como o já citado Obi-Wan, além dos dróides R2-D2 e C3PO, eles pouco estão relacionados à imagem que se tinha deles, ou a que se fazia deles mais novos. O jovem padawan parece perdido o filme inteiro, como se estivesse lá só para mostrar que acompanhou Anakin desde o início.

No final, com a grande batalha espacial de um lado e a competente luta de sabres de luz de outro, o filme cumpre bem seu papel, consegue encantar e trazer a magia de Star Wars de volta às telas, mas fica a sensação que deveria ser muito mais. Se na saga original, o que fica mesmo é o rosto e a expressão dos personagens, seu carisma e sua identificação, o que fica de A Ameaça Fantasma é a beleza visual das grandes cenas, o que mostra que há algo de diferente entre os dois momentos. Não que seja um filme ruim, longe disso, mas talvez pela grande aura criada em torno de uma das sagas mais míticas do cinema, o filme não atinge a sensação que se esperava. Cumpre o seu papel, mas não entra para a história. Parece ser uma expectativa muito grande, mas nada é exagerado para um filme de Star Wars.

Curta-Metragem Unidentified Flying Mater, de Carros

2009-11-27T22:18:00.002-02:00

Desde que eu lembro, os longa-metragens da Pixar sempre são precedidos por curta-metragens bem bacanas. Os DVDs geralmente trazem coisas novas também, sendo um ótimo material complementar.

Agora, a Disney resolveu soltar curtas-metragens da franquia Carros, já preparando o terreno para o segundo filme que deve sair em 2011. Veja abaixo o personagem Mate contando mais um de seus causos...

Machinarium - Jogo On-Line

2009-11-17T21:59:00.005-02:00

Essa é uma dica de um grande parceiro e colega dos tempos de faculdade, Jonas Brandão, que anda se tornando um nome de referência no cenário da animação tupiniquim.

Machinarium é um game no melhor estilo Adventure, Point and Click, onde o jogador busca encontrar as soluções mais criativas para ajudar o personagem principal em uma jornada em busca do... bem, melhor clicar no link abaixo e curtir mais um game feito em flash com um visual muito bem elaborado e uma estrutura narrativa bem envolvente.

http://machinarium.net/demo/

A Morte do Demônio

2009-10-27T21:54:00.005-02:00

The Evil Dead
Sam Raimi (1981)

O título em português é terrível, mas como o padrão do Pensando Imagem e Som é manter a forma como o filme foi lançado por aqui, então vá lá. A Morte do Demônio é a primeira parte de uma trilogia que acompanha os encontros de Ash com o sobrenatural. A franquia, encabeçada por Sam Raimi muito antes dele ser famoso e ter assumido os filmes do Homem-Aranha, é uma das mais cultuadas do cinema, sobretudo do gênero terror. O primeiro filme reinventou o gênero, criando alguns dos paradigmas mais importantes que mais tarde seriam seguidos por tantos outros filmes. Sua estética é marcante, visitando em muitos momentos o trash, permitindo que o pequeno orçamento que a produção dispunha tenha sido, de certa forma, compensado com criatividade e uma linguagem inteiramente particular.

Na trama, que de complexa não tem absolutamente nada, um grupo de cinco amigos vão passar um momento de diversão em uma cabana barata no alto de uma montanha, em um lugar absolutamente não-habitado e no meio de uma floresta medonha. É incrível como americano adora ir para esses lugares para curtir, né? Chegando lá, o clima já se mostra meio estranho, o ambiente é bizarro e o lugar está caindo aos pedaços. Os avisos foram todos dados, mas como é de se imaginar, eles ficam lá mesmo assim. No local, encontram um livro que dizia invocar demônios e, obviamente, os mais corajosos leram só para mostrar que achavam aquilo uma bobeira. Aos poucos, um por um deles vai sendo possuído por uma entidade malígna (daí o título original remeter a mortos diabólicos, malígnos ou demoníacos ou até a uma morte demoníaca, não à morte do próprio coisa-ruim), e quem sobra tenta se livrar da maldição até o amanhecer. Se hoje, é uma sinopse defaut dos filmes de terror, isso se deve às inovações narrativas trazidas por esse filme em 1981.

Em nenhum momento, o filme se leva tão a sério. Ainda que os momentos cômicos por natureza sejam raros, todo o clima da produção é por si só exagerado. Os sustos, as expressões, a atuação quase que amadora, principalmente do protagonista Bruce Campbell, as gosmas e flúidos nojentos de cada morte, de cada membro arrancado, de cada olho esmagado, tudo é absurdo demais. Mesmo com um tom mais opressor e claustrofóbico, o filme não deixa de ser curioso e certas cenas violentas acabam causando risos pela estrutura em que são apresentadas. o diretor abusa da câmera na mão como perspectiva subjetiva e não poupa na maquiagem e na meleca, mas não está nem um pouco preocupado com a origem da maldição, com nenhuma explicação filosófica ou construção de personalidades. Nem mesmo com a continuidade ele se ocupa muito, o que permite ótimas risadas ao ver Ash ser banhado em sangue e no plano seguinte já estar de rosto limpinho. o que importa para a produção é o filme, o clima e o desenrolar das coisas. Nada de explicação... tudo anda para frente. Revendo esse filme, entende-se muito da linha que ele segue no recente Arraste-me Para o Inferno.

O filme é até hoje cultuado e considerado um ícone pop. Não é por acaso que gerou suas continuações que serão tratadas logo aqui no blog, cada qual mais insana que a outra. Em um momento em que o cinema se leva a sério demais, com origens sempre muito intrincadas, maldições pautadas por explicações filosóficas e tudo mais que certa o cinema sério, The Evil Dead é um ótimo retorno à origem do cinema descompromissado com a transparência e a suspensão da descrença e realmente focado na diversão, mesmo que pelos meios mais engraçados e nojentos ao mesmo tempo.

Star Wars - Episódio VI: O Retorno de Jedi

2009-10-25T10:28:00.006-02:00

Poderia começar essa crítica da terceira parte da primeira trilogia de Star Wars criticando a tradução do subtítulo. Afinal, Jedi é uma classe de guerreiros e não uma pessoa em si e, portanto, of the Jedi deveria ser algo do tipo dos Jedi. Mas perto de tantas outras traduções ou adaptações absurdas para o português brasileiro, essa nem faz tão mal assim. O que importa mesmo é falar deste filme que fecha, em 1983 (ano que em que nasci!), a trilogia clássica do universo criado por George Lucas. Se Uma Nova Esperança foi revolucionário pela construção de uma mitologia e pelos efeitos especiais, ao mesmo tempo que O Império Contra-Ataca contribuiu para uma expansão deste mesmo universo, além de se aprofundar na construção dos personagens de forma mais obscura e intimista, O Retorno de Jedi tinha a missão de dar um desfecho a todas as tramas desenvolvidas antes e dar cabo da guerra entre o Império e a Aliança Rebelde. E o fez de forma satisfatória, mas não magnífica.

O longa parte de onde o episódio V havia parado. Com o congelamento de Han Solo em carbonite, estabeleceu-se entre o núcleo protagonista o resgate do arrogante piloto das mãos de Jabba (que parece ter desaprendido a falar inglês do quarto para o sexto episódio). Depois da missão bem sucedida, cria-se um plano para terminar de vez com a guerra e se estabelecer de fato a paz no universo. Para tal, é necessário destruir a nova Estrela da Morte que está sendo construída, mais poderosa do que a primeira, e de quebra eliminar o Imperador, que estará no local inspecionando a construção. Para tal, é necessário que se desative o campo de força que protege a obra, cuja fonte está na lua de Endor, em terra, e está protegida pelo exército do Império. Assim, Solo e Leia partem para o planeta cumprir tal missão, ao lado de Chewbacca, R2-D2 e C3PO, enquanto Lando lidera o ataque à estação em órbita. Ainda há uma terceira narrativa paralela que é o grande foco do filme: a transformação de Luke em um cavaleiro Jedi de fato, passando pelo reencontro com Yoda em Dagobah e o seu grande desafio de superar a tentação do lado negro da força.

Por meio destas três tramas, o filme constrói dois climaxes: a batalha final esperada entre Luke e seu pai, Darth Vader, e a batalha espacial definitiva entre as tropas do Império e os Rebeldes. Um grande problema do filme é a sub-utilização do maior grupo de protagonistas na lua de Endor. Solo, Leia e todo o grupo passam o filme todo fazendo amizade com os Ewoks, raça infantilizada de criaturas que os ajudam em sua missão, e destruindo uma estação. Tudo bem que é a missão fundamental do plano de destruição da Estrela da Morte, mas ao mesmo tempo estão todos fora das tramas principais e dos acontecimentos grandiosos. Isso é ruim para o público, que acompanha estes personagens desde o primeiro capítulo da saga e gostaria de vê-los no quebra-pau de fato, e para a narrativa, que o tempo todo está nos preparando para um segundo descendente Jedi, que se descobre mais tarde ser a Princesa Leia, enquanto irmã gêmea de Luke, e nos reforçando sempre que Solo é o maior piloto de todo o universo. Será que a Aliança não teria mais ninguém para explodir um prédio para deixar seu maior piloto liderando um ataque com naves? Ainda que a trama em terra tenha sido sim importante para desenvolver a relação entre ambos, realmente ficou bem abaixo de qualquer expectativa e relegou os demais do grupo a meros coadjuvantes de fato.

Outro problema é a inclusão dos próprios Ewoks como parte tão importante da saga. Não que eu tenha com eles os problemas que outros fãs tem. O que me incomoda é o fato de eles terem tomado uma proporção absurda para a resolução da trama, vencendo um exército bem treinado e muito bem armado de Stromtroopers com zarabatanas, pedras e flechinhas. Na tentativa de infantilizar o longa e de focar também as crianças, a saga se perde na situação ridícula e, depois de tornar esse exército imperial de clones tão temido e respeitado, os destrói em sequências de comédia pastelão. E se pensarmos em tudo o que as guerras clônicas significam para este universo e olharmos para a nova saga, que desenvolve ainda mais a construção desse poderoso exército, fica ainda mais evidente que a solução encontrada é no mínimo equivocada. A importância dada a esses ursinhos é tão grande que a festa comemorando a vitória da Aliança acontece em seu povoado, sendo que deve haver, em algum canto do universo, uma base onde estão todas as pessoas que passaram anos fugindo do império e dando suas vidas pelos seus ideais. De novo, não sou tão xiita ao criticar a figura do Ewok. É a forma como eles tomaram uma importância exagerada no desenvolvimento da trama que me incomoda.

Por outro lado, todo o desenvolvimento entre o triângulo Imperador, Luke e Darth Vader foi muito bem construído. O grande monarca do lado negro da força tentou de todas as formas, algumas realmente muito convincentes, trazer o jovem Luke para o seu lado. Ao mesmo tempo, Vader ia perdendo todas as certezas que havia estabelecido para si e, sem que o Imperador percebesse, era Luke quem estava seduzindo Vader a negar o lado negro. Essa construção de relações foi muito feliz, bem como as cenas de ação entre pai e filho, onde o embate entre sabres de luz era só uma alegoria para o desafio de palavras e argumentos entre eles. Mas, de certo modo, não seria possível convencer o jovem Skywalker por tudo que ele havia passado. Não haviam argumentos tão fortes para trazê-lo para o lado negro, como haviam para Vader em sua época. Anakin sempre foi questionado pelo Conselho Jedi, sempre teve seus atos muito retalhados por Yoda e Obi-Wan Kenobi e viveu todas as contradições que a fé Jedi não permite, sendo as principais delas o romance com Padmé e a tentativa de não permitir a sua morte. Luke não tinha nada disso. Ele sempre foi muito bem tratado e sempre considerado o escolhido, sem ressalvas. Não vivia um romance proibido e não existia nada no lado negro que fosse tão tentador para que ele fizesse essa escolha. Era simplesmente mais fácil, mas obviamente muito ruim. E foi exatamente isso que Vader viu nele e que não havia visto quanto ele próprio foi seduzido e talvez só nesse momento, ele tenha entendido tudo o que havia aprendido em seus tempos de padawan.

No final das contas, Star Wars - Episódio VI: O Retorno de Jedi é muito competente ao fechar uma das maiores sagas cinematográficas de todos os tempos. Apesar dos deslizes, é uma aventura épica muito bem construída, tecnicamente superior aos dois filmes anteriores e que, de todas as formas, satisfaz o que se esperava do final da batalha. Os momentos de despedida entre Luke e dois dos maiores ícones da saga, Yoda e Vader, são realmente cenas clássicas do cinema e certamente valem o longa por si só. Como um todo, a épica história contada por George Lucas reestabeleceu o que chamamos de ficção científica e, até hoje, é cânone para qualquer um que queira se aventurar pelo espaço. E a Força nunca esteve tão forte nele como esteve naquele momento.

Enfim, terminam as postagens sobre a saga clássica e sigamos para a nova trilogia. Será que há um abismo tão grande entre uma e outra? Vejamos a seguir.

Magic Pen - Jogo On-Line

2009-10-21T01:17:00.003-02:00

Na busca por bons joguinhos on-line, encontrei Magic Pen, absolutamente original e divertido. É uma ferramenta de construção livre de possibilidades para se atingir o objetivo, que é muito simples: levar uma bolinha até as bandeirinhas espalhadas pelo cenário. Para tanto, é necessário usar a criatividade para desenhar todo tipo de formas que possam ajudar a cumprir essa tarefa. Círculos, pêndulos, carrinhos, catapultas, gangorras, e o que mais a imaginação permitir podem ser construídos como ferramentas. Tente!

http://limao.miniclip.com/games/magic-pen/br/

Superman & Batman - Inimigos Públicos

2009-10-15T00:20:00.000-03:00

Não houve tanto alarde assim com o lançamento dessa nova animação da DC (que nesse momento ainda era DC Comics e que agora, com a reestruturação da empresa pelo grupo Warner, passou a se chamar DC Entertainment). Ainda assim, o média-metragem é um trabalho que deve deixar os fãs dos dois maiores personagens da empresa bastante ligados, mesmo não sendo o melhor trabalho a reunir esses personagens. Aliás, está longe disso. Ao tentar fazer um produto para os iniciados e, ao mesmo tempo para os leigos, a DC realmente perde a mão, nivela por baixo e mostra ambos sem nenhum apelo com o seu público cativo, não acrescentando nada de bom e, ao contrário, fazendo caricatura de si mesmos em um fiapo de trama muito mal amarrado que serve mesmo é de motivo para bastante ação e batalhas intensas entre os dois e todo o resto.

A história é baseada no arco de mesmo nome desenvolvido por Jeph Loeb e desenhado por Ed McGuinness e trata da eleição de Lex Luthor para presidente dos Estados Unidos depois de uma séria crise econômica e social e das ações deste para conseguir voltar a opinião pública contra os super-heróis que não trabalharem para ele, dentre eles, obviamente, Superman e Batman. Para tanto, utiliza a desculpa que um asteróide totalmente feito de Criptonita que está vindo em direção à Terra estaria alterando a mente do Homem de Aço, tornando-o violento e perigoso, assumindo para si e para sua inteligência e arrogância a responsabilidade de deter o fim do planeta. Cabe então à dupla, agora com a cabeça a prêmio, conseguir deter de fato o asteróide, desmascarar Luthor e, de quebra, se livrar de todo tipo de herói ou vilão que os persegue.

A trama é bastante primária. Ainda que construída em cima de tudo o que já faz parte do imaginário coletivo sobre todos esses personagens, a impressão é que parece razo demais. Batman é o cabeça da dupla e Superman são os músculos bem-humorados. Simples assim! Além do fato de o Homem-Morcego parecer ser tão invulnerável quanto o seu parceiro, já que aguenta todo tipo de tranco com a mesma invunerabilidade física do cara que coloca a cueca por cima da calça. Além disso, fiquei com a sensação que esse povo é completamente lesado na cabeça. Depois de tudo o que ambos fizeram, será que ninguém ficou desconfiado que Luthor não é o cara bacana que está pregando ser e que o Superman não é um vilão? Quantas vezes mais vão utilizar esse tipo de artifício para colocar os fracos e indefesos contra o super-herói? Para finalizar, um desfecho completamente descabido e que renega tudo o que fora construído. A solução surge assim, do nada, no melhor estilo Deus Ex Machina e no final tudo fica bem. Até pareceria spoiler dizer que o final é feliz, mas em se tratando de uma história de Clark Kent e Bruce Waine, não acho que seja uma surpresa.

O que acaba importando mesmo é o quebra-pau. Se a grande crítica acerca do último longa nos cinemas dirigido por Bryan Singer, Superman - O Retorno, foi a falta de inimigos e de porrada entre o protagonista e qualquer outro saco de pancadas, essa animação está recheada delas, algumas bem interessantes, como a luta contra o Capitão Marvel, ou mesmo a batalha final. Alguns personagens da mitologia da DC acabam morrendo, outros aparecem só para bater cartão e alguns até fazem pontas maiores, como a Poderosa e Metallo. Tecnicamente, a animação obviamente mostra ser um produto para o mercado doméstico e, nesse escopo, não compromete, ainda que seja um traço bastante simples. Mas a sensação que fica é que poderia se esperar algo um pouco mais trabalhado narrativamente do que o que foi apresentado.

Enfim, Superman & Batman - Inimigos Públicos é divertido e, principalmente para os fãs do universo DC, está lotado de personagens e referências bacanas. Passa o tempo bem, mas não acrescenta em nada à mitologia de todos os personagens envolvidos, além de correr o risco de mostrar uma visão distorcida do que é cada um deles. Afinal, para quem realmente não acompanha os quadrinhos, pode ficar a sensação que o Homem-de-Aço não é nada mais do que um monte de músculos, bom moço, e bobalhão. E que o Batman tem algum poder a mais do que deveria ter um humano comum. E não é bem assim. É uma pena que a Warner e a DC não pensem da mesma forma...

Marcas e mais marcas para o PIS!

2009-10-14T16:15:00.003-03:00

Pois é, pessoal... ainda que eu não comemore as coisas nas datas, há algumas marcas importantes que o blog tem alcançado nos últimos dias.

Fico muito feliz em estar comemorando 1 ano de blog. Na verdade, o dia exato foi o já distante 03 de outubro. É um prazer e uma honra trabalhar com esse blog e olhar para trás nesses últimos 12 meses dá ainda mais energias para que eu consiga melhorar um pouco mais!

Outra marca importante, completada há poucos dias foi a da 100ª postagem! A média ainda está abaixo do que eu entendo como ideal (uma postagem a cada 3 dias e meio é o que está ocorrendo e a idéia é uma a cada dois dias, ou uma por dia, quem sabe). Ainda assim, é uma marca muito importante. Já falei de tanta coisa bacana aqui e ao mesmo tempo sinto que não falei de quase nada. Isso é bom... assunto é o que não falta para os próximos 50 anos do blog! rs

Pra completar, outro número bem bacana: hoje o blog completou o número de 10.000 visitas. O quer dizer que, somando todas as postagens, houve 10.000 acessos aos textos do blog. É muito gratificante saber que o que tenho escrito aqui está chegando às pessoas e espero chegar a muito mais gente.

Por fim, fica aqui meu agradecimento a todos vocês, leitores e parceiros, anônimos ou conhecidos, que estão fazendo isso tudo valer a pena! Certamente, tenho muito a crescer como blogueiro e esses números só me mostram o quão legal tem sido essa experiência. Muito obrigado!

Star Wars - Episódio V: O Império Contra-Ataca

2009-10-08T14:27:00.006-03:00

Em 1980, Star Wars já era um verdadeiro ícone pop, divisor de águas em todos os sentidos no que diz respeito a cinema e entretenimento de massa. Star Wars - Episódio IV: Uma Nova Esperança rendeu dinheiro e prestígio a George Lucas, e o novo episódio da franquia tinha a missão de sedimentar esse trabalho. Foi nesse contexto que Star Wars - Episódio V: O Império Contra-Ataca foi lançado. Hoje, quase 30 anos depois, muitos fãs e críticos afirmam ser este o melhor dentre todos os filmes da hexalogia. E tem vários motivos para isso, visto que, neste episódio, tudo está maior e mais desenvolvido. Narrativa, diálogos, direção, efeitos especiais, mitologia... tudo é mais denso e, assim, tem mais poder na tela.

O tom do filme, como o sub-título anuncia, é um pouco mais tenebroso que o anterior. Se no episódio IV temos o surgimento de um novo herói, com pureza de coração e altruismo, esse novo episódio foca mais os seus esforços no poder e nas ações do grande antagonista de Luke Skywalker, o poderoso Darth Vader. Suas atitudes e comportamento são bastante claros quando mostram que esse é um guerreiro muito poderoso, um líder bastante ditatorial e um homem sem nenhum valor ético ou moral. Para isso, basta ver os tipos de punição que ele aplica a seus subordinados a cada erro ou seus mandos e desmandos nos acordos que fecha durante toda a fita com Lando. Vader é, de fato, o personagem principal deste filme e, no final das contas, é também o protagonista de toda a saga. E, exatamente por isso, esse capítulo tem um tom mais sombrio e pesado, deixando claro que não é tão simples assim vencer o lado sombrio da Força como foi destruir a Estrela da Morte.

Contudo, não é somente Vader que tem espaço no longa. Temos duas tramas paralelas ocorrendo a partir da primeira grande cena, quando o império invade o planeta gelado de Hoth. De um lado, vemos Han Solo, Leia, Chewbacca e C3PO fugindo na Millenium Falcon e chegando à Cidade das Núvens, lar de Lando, um antigo conhecido de Solo. Lá são traídos pelo anfitrião e feitos prisioneiros do império. Conhecemos então, além de Lando, antigo dono da nave que agora é de Solo, Boba Feet, um caçador de recompensas, e talvez um dos personagens secundários mais cultuados do universo Star Wars. E, obviamente, o personagem mais marcante que faz o seu debute na saga é ninguém menos que o maior cavaleiro Jedi de todos os tempos, Mestre Yoda, que fará parte nesse filme do segundo núcleo narrativo, quando treinará Luke que chega ao planeta de Dagobah com R2-D2. É no final do filme que esses dois universos chegam ao ponto comum, no momento em que o intempestivo jovem Skywalker abandona o treinamento para salvar seus amigos. Yoda mostra, nesse capítulo, o quão sábias são suas palavras e o quanto ele domina da Força e é realmente, ao lado de Darth Vader, o maior ícone de toda a saga.

Algumas coisas ainda incomodam pela mesma inocência do roteiro vista anteriormente. Vemos novamente Luke sendo muito devoto a Ben, ou Obi-Wan Kenobi, mesmo tendo passado menos do que 3 dias sendo treinado e orientado pelo velho Jedi. Mesmo Vader cita que seu antigo mestre ensinou seu oponente muito bem. Aliás, a passagem de Luke de um piloto muito competente e um garoto voluntarioso para um Jedi que consegue enfrentar e até atingir o grande Vader é rápida demais. É claro que ainda não havia essa visão geral, mas se Anakin demorou mais de 30 anos da sua vida para atingir o nível de controle da Força apresentado nesse episódio, é um pouco de exagero Luke, com 3 dias de treinamento com Ben e mais 2 dias com Yoda possa ter algo ao menos parecido. Tudo bem que ele foi derrotado, teve sua mão decepada e tudo mais, e que Vader nem estava realmente querendo matá-lo logo de cara, e isso pode demonstrar que o duelo foi só uma brincadeira de Vader enquanto ele tentava convencer Luke a ir para o lado sombrio da Força, mas ainda assim a intenção parecia congelar o jovem padawan e Vader nem chegou perto de conseguir isso.

De qualquer forma, esses detalhes não chegam nem perto de influenciar no resultado final, já que posso afirmar tudo isso tendo uma visão um pouco maior de todo o caminho da franquia e, provavelmente naquele momento não se tinha todo esse panorama de como era realmente o treinamento de um garoto até chegar ao status de Sith ou Jedi. O Império Contra-Ataca tem uma dinâmica bastante interessante ao estabelecer duas tramas paralelas e dá espaço para um aprofundamento das relações entre os personagens. Não só entre Luke e Yoda ou entre Luke e Darth Vader, mas também entre Chewbacca e C3PO, Solo e Lando e, obviamente, a relação de amor e ódio entre Solo e Leia. O desfecho absolutamente aberto já mostrava a certeza da realização de um terceiro episódio, deixando claro que este era um capítulo intermediário e que tinha a missão de complicar as coisas, aprofundar alguns personagens já estabelecidos, apresentar outros e preparar o terreno para o grande e iminente embate final. E ainda há espaço para a revelação mais estrondosa da saga e certamente uma das mais marcantes de toda a história do cinema: "Luke, I'm your father..." Certamente, eu tenho a sorte de poder assistir a'O Retorno de Jedi assim que tiver um tempinho. Posso imaginar como foi a espera do público por três anos naquela época...

Arraste-me Para o Inferno

2009-10-05T19:40:00.004-03:00

Havia algum tempo que Sam Raimi não se dedicava ao gênero que o revelou e que o tornou famoso, principalmente com a trilogia Uma Noite Alucinante. Depois de anos se dedicando ao famoso super-herói que todos conhecemos como Homem-Aranha, parece que o diretor resolveu dar um tempo e se divertir realizando um filme descompromissado e que não tem nada a perder. Sim, porque errar com um personagem consagrado como Peter Parker é quase que um pecado fundamental em Hollywood e pode derrubar a carreira de qualquer grande talento (vide Bryan Singer, que se não perdeu seu emprego, já não é a sensação do momento depois do mal-sucedido Superman - O Retorno). Agora, se ele errar em um filme como Arraste-me Para o Inferno, provavelmente pouca gente ficaria sabendo, e quem soubesse pouco daria importância. E exatamente por ser descompromissado com a seriedade que ele volta a fazer o que, nos dias atuais, ninguém faz igual: o horror gore mais cômico e divertido que se pode imaginar. E terror gore não significa trash, longe disso. Ainda que sua estética tenha relações diretas com isso, ele consegue fazer um filme de terror nojento e limpinho ao mesmo tempo. Está ficando cada vez mais confuso, né? Vamos à trama.

Christine Brown é uma agente de crédito que, para impressionar o seu chefe e conseguir uma promoção, se mostra forte ao negar mais prazos e benefícios a uma senhora idosa e aparentemente inofensiva. O que ela não esperava era ganhar uma belíssima maldição com essa atitude, a qual prevê que um demônio, Lâmia, a levaria para o inferno pessoalmente depois de atormentá-la por três dias. Sua batalha então será conseguir evitar que a maldição se confirme e conta com a ajuda de um médium e de um nada crédulo noivo para isso. Uma premissa nada original ou revolucionária que, aliás, não se preocupa nem um pouco em se fundamentar. Quem é Lâmia? É o próprio coisa-ruim? É um de vários demônios? Há uma hierarquia de capetas assim? O inferno é o mesmo que alguma religião relata? Quem se importa? Raimi não está nem um pouco preocupado em mostrar a origem do dito cujo exatamente porque não o leva a sério como muitos fariam. Não há uma explicação, não há uma origem, não há um porquê. A velha a amaldiçoou e pronto. Ela está fu... ferrada se não conseguir evitar o seu terrível destino. E isso basta para deixar o espectador ligado ao caminho da protagonista.

Aliás, se o elenco em um primeiro momento pode não convencer, já que tanto Christine quanto seu noivo parecem mesmo personagens de um filme de high school, vemos em seguida que eles cumprem muito bem os papéis. Principalmente Alison Lohman e sua cara de assutada e desesperada. Ela conseguiu assumir o papel de uma forma tão contundente que, se fosse de outra forma, pareceria realmente algo ridículo. Seu noivo, interpretado por Justin Long, não parecia tão a vontade assim, mas exatamente por não acreditar em nada daquilo acabou fazendo da indiferença uma grande virtude do personagem. E não podemos esquecer de Lorna Raver no papel da Sra. Ganish, a tal velha-bruxa-cigana-demo-sei-lá-mais-o-que, que consegue ser tão nojenta quanto assustadora e, perto dela, o tal Lâmia nem parece tão ruim assim. Tudo isso de um modo que o elenco mostra ter comprado a idéia de Raimi e faz um trabalho muito decente por não levar o filme a sério tanto quanto o diretor.

A narrativa não acrescenta em nada ao cinema, ou sequer ao gênero. É uma soma de situações e desodobramentos do que os anos 80 cansou de reproduzir para esse seguimento. E exatamente por isso, acaba trazendo um ar de frescor para um gênero que se tornou sério demais, e de tão sério ficou chato. Em tempos onde as adaptações de terrores japoneses é que são o ponto máximo do medo, nada melhor do que o resgate de uma forma de fazer terror que consegue divertir ao mesmo tempo que assusta. E o mais engraçado é que, em meio a adaptações, refilmagens, prelúdios, releituras e afins, consegue ser a ponta de originalidade que o cinema norte-americano parece ter deixado de lado. Está tudo lá: zoom no rosto da personagem mostrando medo, o susto da assombração que atormenta, a maldição mal-explicada, o vento abrindo portas e janelas, o cemitério, a velha caolha, chuva no momento de tensão, sangue jorrando aos baldes... tudo o que um bom e descompromissado terror precisa ter. O que é mesmo interessante é que, em tempos de seriedade, o clichê é tudo o que se espera em um filme assim.

O que os Stormtroopers fazem que nunca foi mostrado...

2009-10-04T12:57:00.000-03:00

Ok, ok... eu prometi que a postagem seguinte sobre Star Wars trataria de O Império Contra-Ataca, mas quando vi essas imagens, eu não resisti. Esse Stéfan realmente tem uma grande criatividade em compor situações hilárias com alguns de seus ítens de colecionador. A imagem abaixo é só um exemplo desse trabalho bacana, que pode ser conferido aqui, no Flickr dele.

Nesta coleção, vemos o que fazem os Stormtroopers quando estão fe folga. As vezes se divertindo, as vezes fazendo aquilo que foram treinados para fazer, eles realmente se mostram dedicados ao que fazem. Se foram os anos de guerras ou o poder da Força que os deixaram assim, não podemos saber. Resta-nos rir ao acompanhar esse álbum até o fim, até porque é impossível não ver a próxima foto. E obrigado ao ótimo Território Nerd pela indicação, local onde vi esse link pela primeira vez. É isso aí!

Star Wars - Episódio IV: Uma Nova Esperança

2009-10-03T11:21:00.006-03:00

Quando vi a primeira trilogia de Star Wars de uma só vez em dois dias, poucos meses antes da estréia de A Ameaça Fantasma, me senti muito a vontade naquele ambiente. Tinha algumas das cenas de todos os filmes na cabeça, mas não sabia de onde elas se encaixavam na cronologia da franquia. Vieram então os novos filmes e, junto, uma pancada de críticas negativas, sempre comparando um momento com o outro. Estou nesse momento reassistindo toda a hexologia, logo depois de ver as animações de Clone Wars, cuja crítica vocês podem encontrar aqui para o longa e aqui para a primeira temporada da série de TV. Escolhi começar tudinho não pelo episódio I, mas sim pelo episódio 4, como o mundo inteiro viu no decorrer de quase 3 décadas.

Certamente, em 1977 os tempos eram outros. A tecnologia e a tradição do cinema de ficção científica não eram tão valorizados como o são agora, onde praticamente todo longa lançado pela indústria norte-americana tem alguma coisa construída inteiramente por computação gráfica. Nesse sentido, todos concordam que Star Wars, que logo ganharia o sub-título de Episódio IV: Uma Nova Esperança, foi uma grande revolução no quesito efeitos especiais e na utilizaçãoi destes para se contar uma história. São efeitos realmente geniais, ainda que hoje deve-se desconfiar de alguns pontos que se vê no DVD, já que muita coisa foi inserida digitalmente nessas últimas versões. De qualquer forma, a linguagem visual continua lá, da forma em que foi pensada, e nesse ponto podemos continuar nos deslumbrando com a visualidade que Lucas deu à sua criação.

Ainda assim, o que nos é canônico é passível de críticas também. O roteiro do longa é bastante complexo em sua simplicidade, ou bastante simples em sua complexidade. Mas também é, de certa forma, inocente nas relações que constrói, ou mesmo nos personagens que cria. Há algo de errado em como Luke vê a morte de seus tios, aqueles que o criaram desde que era um bebê. Por mais que ele tenha ressalvas quanto à forma que seu tio o impede de fazer o que quer, não há como estranhar que ele sinta mais falta de Obi-Wan do que de sua família. No longa, sua lamentação pela morte do mestre Jedi é muito mais longa e mais passional do que o luto por aqueles com quem ele cresceu. Aliás, as relações entre os personagens se estabelecem de forma muito rápida e, mesmo dando um dinamismo interessante à fita, permitindo que duas horas passem muito rapidamente, também deixam buracos. A birra que Leia tem com ambos no momento do seu resgate não parece ser de alguém que estava completamente sem esperanças e que foi resgatada pelas únicas pessoas que poderiam dar sobrevida à Aliança Rebelde. Enfim, algo que não afeta o resultado final, até porque não é dessas construções que o filme trata, mas que pode incomodar a um segundo ou terceiro olhares.

Nada tão grave que prejudique o desenvolvimento da trama. Somos apresentados a personagens que se tornariam ícones do cinema de fantasia, como Han Solo, Chewbacca, C3PO, R2-D2, Jabba, e outros. Cada qual com suas particularidades e possibilidades. O mais interessante, ao se fazer um paralelo entre este episódio de 1977 e a animação Clone Wars, de 2008, com uma diferença de mais de 30 anos, é que são os personagens dróides que mais conseguem manter suas características de forma coerente. Se vemos que Darth Vader não está no maior posto da hierarquia do Império, lembramos que tanto Jedis como Siths eram os grandes líderes de seus exércitos nas guerras clônicas. Obviamente que ele cresce de forma absoluta nos episódios 5 e 6 enquanto o maior de todos os vilões, mas nesse filme ele nos é apresentado como mais um soldado, em quem sequer seus comandados acreditam. Aliás, como é que alguém pode dizer que a Força é uma crendice ou uma feitiçaria ultrapassada depois da demonstração de Vader enforcando um homem a distância? Até Tomé acreditaria na Força depois de ver...

Ainda que o resgate da Princesa Leia tenha sido bastante empolgante e as cenas de ação muito bem trabalhadas, é mesmo a cena final, na busca da destruição da Estrela da Morte, o grande clímax do filme. Os caças rebeldes e seu plano são incríveis em batalha contra o império e o esforço de Luke para acertar o alvo utilizando a Força é de tirar o fôlego. A tensão e a adrenalina da cena são um espetáculo que por si só já valem tudo que o filme representa para o mundo nerd. E pensar que esse é só o começo (ou seria o meio?) da maior batalha que o universo já viu.

Na próxima postagem sobre Star Wars, falarei daquele que é considerado por muitos como o melhor filme de toda a hexologia e um dos maiores da história do cinema: Episódio 5: O Império Contra-Ataca. Continuem conectados aqui no Pensando Imagem e Som e no Twitter do blog: @pensandois. E que a Força esteja com todos nós.

Star Wars - The Clone Wars - 1ª Temporada

2009-09-30T22:10:00.004-03:00

Há alguns dias, falei aqui no PIS sobre o longa-metragem em animação lançada nos cinemas em 2008, situado entre os episódios 2 e 3 da hexalogia clássica dos cinemas. Se você não viu a crítica, leia antes de prosseguir com esse texto.

Sendo uma sequência direta do longa, Star Wars, a série, continua a contar novas batalhas e acontecimentos ocorridos durante a grande guerra clônica, sempre citada no universo Star Wars, inclusive na trilogia original. Depois do sequestro do filho de Jabba contado no filme, vemos nos 22 episódios desta primeira temporada o desenvolvimento da relação entre Anakin e Ahsoka, além de explorar um pouco mais personagens já vistos na série animada em 2D, como Ventress e Fisto. Vemos também como o General Grievous comanda seus subalternos e várias relações hierárquicas tanto do lado da República quanto entre os Separatistas. Enfim, há espaço para que o universo expandido da série, realmente possa ser explorado.

Já era promessa que o longa seria só um season premiere da série, mas a recepção ruim que obteve tanto entre os fãs quanto com a crítica colocou em xeque o futuro da franquia. Felizmente, a série realmente mostrou o propósito do projeto como um todo, e somados, longa e primeira temporada, conquistam um resultado muito expressivo. Ainda que haja grandes reviravoltas ou surpresas, a série é bastante competente tecnicamente e até narrativamente.

Não há uma sequência absoluta entre os eventos narrados. Alguns episódios são continuações um do outro, mas no geral, são eventos bastante isolados. Assim, quando termina-se de contar o que aconteceu na invasão separatista a um planeta, no episódio seguinte estamos no meio de outra batalha, em outro canto do universo, com outros personagens de cada lado. Essa característica dá um dinamismo interessante para essa guerra de proporções gigantes e, o mais interessante, o ponto de ligação do lado da república são... os clones! Agora eles tem rosto, ainda que seja o mesmo, mas cada qual apresenta características bastante diferentes uns dos outros, físicas e psicológicas. assim, temos soldados cabeludos e outros de cabelo raspado, ou ainda usando barba e outras pequenas diferenças. Vemos também que eles são bastante obedientes, respeitando sempre as decisões de seus superiores, sendo estes clones, jedis ou senadores. É claro que nesse tipo de universo há um outro traidor, mas no geral eles parecem muito bem criados para serem massa de manobra, como eles mesmos assumem em certo episódio. Ao confirmar a morte de um colega, ou "irmão", um deles pede para Ahsoka não se preocupar, pois era pra isso que eles haviam nascido, mesmo sem esconder um sentimento pelo seu semelhante.

Assim, os clones finalmente tiram seus elmos e mostram sua humanidade, que são agentes pensantes e que tem sentimentos, ainda que nem tentem se desligar da guerra ou de sua função, do seu destino. Talvez essa seja a grande virtude desta primeira temporada e espero que isso se mantenha, ainda que entenda que o foco muda em cada momento do seriado.

Sinto que a mudança pela qual Anakin passa ainda é muito incipiente e não dá para acreditar que o ser mais altruísta que já empunhou o sabre de luz possa se tornar aquele que é sem dúvida o símbolo máximo de Star Wars: Darth Vader. Certamente, com a mesma idade de Luke quando o enfrentou, Anakin é muito mais honrado e destemido que seu filho. Ainda que inconsequente e, as vezes, desobediente, parece que ele estaria disposto a entregar tudo o que tem, inclusive sua vida, pelo que acredita e sua transformação parece incoerente. Talvez outros eventos possam abalar sua honra e suas crenças para que ele se encontre naquela posição de questionamento do episódio III da nova trilogia. Quem sabe até o destino de Ahsoka, sua aprendiz e com quem desenvolveu um grande laço afetivo já nesta primeira temporada faça parte dessa transformação, já que certamente ela não tem um destino feliz.

No mais, senti falta de um envolvimento maior de outros personagens consagrados, como o Conde Dookan e, principalmente Mestre Yoda. O primeiro apareceu sempre como um mentor, ou um grande líder, mas sua maior atividade foi no longa. O segundo teve um episódio centrado em si e em suas habilidades, mas também apareceu mais como holograma dando ordens do que efetivamente em ação. Creio que Lucas precisa explorar um pouco mais essas figuras que são bastante icônicas do universo que ele criou.

Para a próxima temporada, que já se inicia no dia 02 de outubro, há uma promessa de o foco estar bastante voltado aos Caçadores de Recompensa, figurinhas carimbadas no universo de Star Wars e que já mostrou um potencial bastante imponente no season finale da primeira temporada, com Cad Bane. Tomara mesmo que possamos ter 4 ou 5 temporadas como Lucas prometeu e que as Guerras Clônicas, que estão longe de se esgotar enquanto tema, sejam realmente épicas como todos sempre soubemos, mas sem nunca te-las visto.

Chatnoir - Jogo On-line

2009-09-28T14:55:00.005-03:00

Quando vi uma postagem no twitter de alguém falando que tinha gostado desse joguinho, nem dei muita bola, abri em uma nova janela e deixei lá. Quando fui ver, estava jogando havia meia-hora! É simples, com uma idéia ainda mais simples, e, como todo bom jogo em flash on-line, com uma idéia original e muito interessante: Você é capaz de cercar o gato? Tentem!

http://www.gamedesign.jp/flash/chatnoir/chatnoir.swf

Anjos e Demônios

2009-09-27T10:50:00.005-03:00

Angels and Demons
(Hon Howard, 2009)

Está chegando agora às locadoras o novo filme adaptado da série de best-sellers de Dan Brown, Anjos e Demônios. Ainda que seja um livro que precede O Código Da Vinci tanto na cronologia de lançamento quanto no espaço ficcional, o filme assume a postura contrária, sendo desta forma, uma continuação do longa de 2006. E se o primeiro recebeu duras pancadas da crítica especializada, dos fãs do livro-fenômeno e da igreja católica, este parece ter encontrado seu ponto de equilíbrio com todas essas partes.

Na trama, o simbologista Robert Langdon é chamado ao Vaticano para ajudar nas investigações relacionadas ao sequestro de quatro cardeais, todos favoritos a assumir o mais alto cargo do clero: o papado. Mesmo descontente com o pesquisador, a igreja o chama por ter fortes indícios de que a responsabilidade pela crise é de uma sociedade secreta que se auto-denomina Illuminati. Como Langdon é especialista no assunto, há aqui uma trégua para tentar evitar um desastre para a entidade. Soma-se a ele a cientista Vittoria Vetra, cuja pesquisa resultou na produção de anti-matéria, que de um jeito ou de outro pode ajudar na compreensão da formação do universo e que, ao mesmo tempo, pode se tornar um explosivo de proporções absurdas. Essa anti-matéria foi roubada e tudo isso parece ter ligação com o sequestro dos cardeais. Assim, seus caminhos se cruzam em busca do caminho da iluminação e da solução do problema antes que todos os cardeais sejam mortos e o Vaticano todo vá pelos ares.

O filme é bastante feliz na construção dos personagens e na elevação da narrativa. Tom Hanks parece mais a vontade no papel do simbologista e Ayelet Zurer tem muito mais presença do que Audrey Tatou teve no filme anterior. Parece ter mais vontade também e, ainda que não tenha tido nenhuma grande cena dramática e de carga de atuação, convence bem no papel. Ewan McGregor também está muito bem no papel do carmelengo e o elenco parece funcionar bem. Da mesma forma, a narrativa está muito mais envolvente e permite que o espectador a acompanhe mais facilmente sem se perder nas explicações longas e complexas que funcionam muito bem nos livros, mas nem tanto no cinema, pelo tempo de película. Ainda que seja uma sequência de vários clímaces e de pouco respiro, a trama consegue segurar-se lá em cima. Há sim um ou outro ponto de explicação teórica, além das costumeiras alfinetadas na igreja católica, mas é a ação que conta a história, o que facilita o envolvimento e a imersão.

Anjos e Demônios também consegue seu ponto de equilíbrio quanto às polêmicas com a igreja e a fé cristã. Há muitas licenças em relação ao livro, à ciência e até mesmo a estrutura e funcionamento da igreja. Isso facilita a separação entre ser ficção e ser um relato documental de como funciona a tal conclave, dentre outras coisas relatadas no longa. É claro que ainda há uma certa acidez quando se trata do passado da igreja, como o comportamento dela em relação aos cientistas que questionavam o seu dogma, mas a crítica se mostra muito mais centrada na instituição do que propriamente na fé cristã, como foi o caso de Da Vinci. O boicote ao filme foi novamente promovido pela igreja, mas parece ter afetado o filme de forma mais positiva do que negativa, já que mais uma vez despertou a curiosidade em relação à trama. Assim, há um certo embate ali entre fé e ciência, mas de uma forma um pouco menos maniqueísta do que anteriormente.

Enfim, Anjos e Demônios é, em diversos aspectos, superior ao seu predecessor. Atuações mais interessantes, trama mais equilibrada, enredo mais envolvente, trilha sonora impecável, direção de arte magnífica e uma pitada de polêmica. Agora é esperar a adaptação do mais novo livro de Brown, O Símbolo Perdido, que não deve demorar a entrar em produção, para que se feche o número mágico de três filmes, como Hollywood adora. Quem sabe, a regra não encontre a sua excessão e o terceiro filme possa ser o melhor de todos?

Star Wars - The Clone Wars

2009-09-26T08:41:00.006-03:00

Finalmente, depois de quase um ano, Star Wars é assunto aqui no PIS. Porque nenhum blog que fala de entretenimento e cultura pop que se preze deve se abster de falar do universo que se tornou o ícone maior dos nerds. E o debute no assunto fica por conta de Star Wars - The Clone Wars, longa-metragem em animação lançado nos cinemas em 2008 pela Lucas Arts como parte inicial de uma nova empreitada da franquia, que mais tarde seria seguida na TV.

Definitivamente, o filme tem dois públicos distintos. O primeiro é obviamente os fanáticos por tudo que a marca Star Wars representa. O outro é o público infantil, para quem Lucas parece pretender fazer a iniciação no seu universo. Desta forma, deve-se analisar o longa por meio desses dois centros.

Na trama, que não é lá muito bem elaborada como se poderia esperar, o filho de Jabba é sequestrado e cabe à República fazer o resgate do infante Hunt para que desta forma tenham livre acesso à área controlada pela meleca gigante. Não é um roteiro primoroso, até porque não parece fazer muita diferença na mitologia toda criada se pensarmos de forma isolada. O longa não deve ser pensado como um produto único e sim como um episódio de algo maior, que são as tais guerras clônicas que terão sequência no seriado de TV. De certa forma, o desenvolvimento da trama, das relações entre personagens novos e antigos e tudo mais, só começa aqui para ser continuado mais tarde.

Se olharmos com os olhos nerds, o longa é uma expansão do multiverso criado por Lucas. Pode-se entender um pouco mais a estrutura familiar e hierárquica de Jabba, conhecer máquinas e armas de guerra, tanto pelo lado da República como pelo lado dos separatistas, entre outras coisas e, obviamente, a principal inserção do filme, que é a aprendiz de Anakin Skywalker, Ahsoka Tano, que será figura central do filme e da série. Talvez até o seu destino que será finito (já que ela não faz parte deste universo na terceira parte da segunda trilogia) possa até ser um dos motivos para levar Anakin a questionar o seu código e suas convicções acerca do estilo de vida Jedi. Enfim, se houve uma certa decepção com o longa por parte da crítica e dos fãs, é porque se esperava um episódio "2.5" ou algo assim, quando na verdade esse meio termo entre os episódios II e III será dado por um amálgama de episódios, cujo longa é apenas o season premiere. Aliás, não perca aqui mesmo no PIS a crítica da primeira temporada.

Já se pensarmos pelo lado da infantilização da história, talvez o longa seja um pouco mais feliz. Exatamente por não ter uma trama intrincada ou complexa, pode ser palatável para os mais jovens que em seguida verão os mesmos personagens na TV e, quem sabe, se tornarem uma nova leva de fãs da hexalogia e, principalmente, da trilogia clássica que não é tão acessível como era antigamente, já que não passa com tanta frequência na TV aberta aqui ou nos Estados Unidos. Os personagens podem nos parecer irritantes, principalmente Ahsoka, mas ela tem um potencial de apelo com as crianças e, mais especificamente ainda, com as meninas. Sim, porque em um universo dominado por homens (ou personagens do sexo masculino), como Luke Skywalker, Darth Vader, Mestre Yoda, Mace Windu, dentre outros, e uma personagem Jedi central pode cativar esse público. É o grande acerto do longa, se pensarmos em marketing e na tal cauda longa, de Chris Anderson, já que busca expandir seus domínios.

Enfim, como filme, só e somente só, The Clone Wars não funciona pelos vários motivos já citados. Como peça fundamental no universo da franquia também não. Mas talvez nenhuma dessas parece ter sido a intenção de George Lucas. É um início de uma nova série, para um novo público, com uma nova proposta. É um produto periférico que nunca será fechado e depende de tudo o que já foi estabelecido em todos os sentidos: enredo, identificação com os personagens, fascínio com os sabres de luz, etc, bem como do que ela mesma se transformará com os episódios de 20 minutos na TV. Desse modo, só poderá receber um veredito sobre sua relevância aos créditos do episódio final, que pode ter até 5 temporadas, segundo o próprio produtor. Esperemos que ele saiba onde tudo isso vai terminar. Mais do que nunca, que a Força esteja com ele.

Cinema em São Carlos: 25-09-2009 a 01-10-2009

2009-09-25T13:24:00.002-03:00

CineUFSCar:

Feiticeiros da Palavra - O jongo do Tamandaré

Dia: 30/09
Hora: 19h

Cine São Carlos:

Força G

Sáb e Dom: 17h

Os Normais 2 - A Noite Mais Maluca de Todas

Sex: 19h30min
Sáb e Dom: 17h e 19h30min
Seg, Ter e Qui: 19h30
Qua: 17h

Halloween - O Início

Diariamente: 21h30min

Cine Iguatemi:

Cine 1: Se Beber, Não Case

Diariamente: 16h, 18h ,20h e 21h45min

Cine 2: Sequestro do Metrô 123

Diariamente: 19h

Cine 2: Os Normais 2 - A Noite Mais Maluca de Todas

Diariamente: 17h e 21h

Cine 3: Sequestro do Metrô 123

Diariamente: 21h

Cine 3: Up - Altas Aventuras

Diariamente: 16h30min e 19h30min

SESC São Carlos:

Bem-vindo

Dias 26/09 e 27/09
Hora: 18min

* Programação sujeita a mudança e de responsabilidade exclusiva dos exibidores

Dossiê Lost: Sun e Jin Kwon

2009-09-22T00:34:00.004-03:00

Texto de Karen Cristina

Triste coisa é querer bem a quem não sabe perdoar, disse um poeta. Por uma linda estória de amor, Jin e Sun sabem como poucos a praticar o perdão. Ao menos um com o outro.

A bela estória dos dois ultrapassa barreiras sociais, avança por comprometimento e desapego a sonhos e esbarra em deslizes, mentiras e traição. E se renova pelo perdão.

Quando conhecemos Sun, ela parecia a típica gueixa submissa, enquanto Jin era o marido tirano. Com o tempo descobrimos que as aparências enganam.

Jin é hoje um dos personagens mais queridos, um dos losties mais confiáveis, o verdadeiro pau pra toda obra e por fim, o marido exemplar. Claro que o passado o condena: omitiu o pai por vergonha, virou capanga do sogro mafioso, mas tudo que fez foi por amor...

Por mais pesado que soe o envolvimento dele com a máfia coreana, Jin foi o peso do bem em meio ao mal. Poupou vidas, tentou fazer o melhor mesmo tendo o pior como única fonte porque se há algo que não se pode negar é a grandeza do coração do coreano. Ajudou quem pode na Ilha, renasceu e se viu em todas as provas possíveis.

Sun, por seu lado, na verdade não era a mulher fraca e submissa que parecia. Mesmo antes da Ilha, a insatisfação com o casamento e o afastamento do marido a levou a uma traição. Bem que ela tentou fugir, mas não conseguiu abandonar Jin, seu grande amor.

Na Ilha, mais uma vez se viu afundada em mentiras. Talvez porque fosse mentirosa por natureza, talvez porque quem está certo mesmo é House, e Everbody Lies. O certo é que só assumiu que falava inglês por questão de vida ou morte. Mas Sun sempre foi doce, meiga. E se fortaleceu a cada nova prova. Como Juliet, é uma ótima representante do sexo feminino. Ela tem a capacidade de fazer o que deve ser feito, e com classe.

O irônico na estória do casal é que ambos guardavam um passado de arrependimento por tomar atitudes e decisões que imaginavam ser fundamental para manter o casamento. Jin queria manter Sun nos padrões de vida que ela sempre teve, o que para ela era o mais irrelevante. Enquanto Sun tentando encobrir a verdadeira identidade da mãe de Jin o jogou diretamente no trabalho sujo do pai.

E a crise se agravaria na Ilha. Em meio a um relacionamento abalado, a todo descrédito de um casal sem comunicação, a gravidez de Sun traz uma nova chance para os dois. Porém, seriam preciso muitos ajustes e finalmente a verdade, dita da boca de Juliet, para que o casal tenha solidificado o relacionamento, fortalecido pelo perdão de uma traição.

E o perdão veio justamente da parte de um homem de uma cultura altamente machista. Jin perdoa, se desculpa e assume a culpa pelo afastamento da esposa. É de Jin, aliás, uma das frases mais belas de Lost, além de muitos momentos puros de romantismo.
Ao pedir a mão de Sun para seu pai, um lindo momento.

Como posso entregar minha filha para um homem que desiste de seus sonhos, pergunta sr. Paik.
Porque ela é o meu sonho – responde Jin.

É impossível enxergar completamente Lost sem considerar as belas histórias de amor. E Jin e Sun são um dos casais que estão naquela Ilha para renovar os votos, para rever o relacionamento.
A prova maior dos dois foi a separação involuntária gerada pela explosão do cargueiro. Em uma cena emocionante, vimos Sun perder seu grande amor. E no seu grito de dor, no seu desespero, a coreana perderia o que tinha acabado de reencontrar. Foi cruel e muito triste.

Sun nunca se recuperou. Nos três anos em que esteve fora da Ilha, só quis se vingar. Enfrentou o mundo do pai, a frieza das viagens de negócios, caçou Benjamin Linus, se aliou a Widmore. Tive medo dela. E para ter uma chance de rever Jin, Sun abriu mão da filha. Voltou para a Ilha sabendo que dificilmente retomaria a vida no continente.

Enquanto Sun sacrifica a maternidade pelo marido, Jin prefere mantê-la longe do inferno que se transforma a Ilha durante o período de viagens constantes do tempo.

Mas é o destino que manda, ou melhor, a Ilha é quem decide. E por mais cruel que pareça, apesar de tantos sacrifícios, tanta abnegação, os dois acabam separados por trinta anos.

Resta-nos esperar pelo reencontro. Deve ser, sem dúvida, mais um dos momentos inesquecíveis da série, carregado de dramaticidade e com uma trilha sonora de arrepiar ao fundo. Aposto que irá ocorrer. Talvez não tão de cara, logo no início da temporada. Ou talvez, pensando melhor, caso ocorra o reebot, o reencontro passe em branco...

O que é impossível negar é a solidez do amor entre Jin e Sun. O casal que superou muito mais do que diferenças sociais. O casal que nos ensina o perdão.

Pitaco do Paulo

Sun e Jin nunca pareceram o casal perfeito. E de fato, nunca o foram enquanto casados. Em uma sociedade machista, o amor de ambos foi afogado por obrigações e acontecimentos que vão além da relação homem-mulher. O carinho e o afeto deram lugar a traições e mentiras. Quis o destino (será ele mesmo?) que de um desastre viesse uma segunda chance para ambos. De se encontrarem novamente e se descobrirem naquilo que lhes estava soterrado: o amor. Ainda bem que este sempre esteve lá.

Cinema em São Carlos: 18-09-2009 a 25-09-2009

2009-09-18T13:27:00.004-03:00

Sem perder tempo, vamos ver a programação dos cinemas e cineclubes de São Carlos:

CineUFSCar:

O Violino (Francisco Vargas, México, 2006, 98 min)

Dia: 23/09
Hora: 19h

Cine São Roque:

Sessão Bang-Bang: O Dólar Furado (Giorgio Ferroni, Itália/ França, 1965)

DIA: 18/09
Hora: 20h

Cine São Carlos:

Força G (Hoty Yeatman)

Seg, Ter, Qui, Sex: 17h
Sáb, Dom e Qua: 15h

Tempos de Paz (Daniel Filho)

Diariamente: 19h30min
Sáb, Dom: 17h e 19h30min

G.I. Joe - A Origem de Cobra (Stephen Sommers)

Diariamente: 21h30min

Cine Iguatemi:

Cine 1: O Sequestro do Metrô 123

Diariamente: 15h, 17h, 19h, 21h

Cine 2: Os Normais 2 - A Noite Mais Maluca de Todas

Diariamente: 16h, 20h, 21h30min

Cine 3: Up - Altas Aventuras

Diariamente: 15h, 17h, 19h, 21h

SESC São Carlos:

Cafundó

Dia 18/09
Hora: 19h30min

Loki - Arnaldo Batista

Dias: 19/09 e 20/09
Hora: 18h

Lembrando mais uma vez que a programação é de responsabilidade dos exibidores, bem como quaisquer mudanças nos horários.

Dossiê Lost: Desmond Hume e Penelope Widmore

2009-09-17T19:21:00.006-03:00

Texto de Paulo Montanaro

Pode ser que todos os passageiros do vôo 815 tenham caído naquela ilha, juntos, para encontrarem uns nos outros a redenção. Pode ser que os Outros, liderados por Ben e por Richard realmente não sejam os malvados da história e mesmo as forças ocultas da Ilha podem estar em meio a uma batalha por poder, ambição e seja mais o que estiver em jogo com outras forças. Contudo, certamente se há alguém que mereça viver sua vida em paz, esse alguém não é nativo da Ilha, não chegou junto com a Iniciativa Dharma e nem caiu de avião ali. Desmond Hume e Penelope Widmore tem uma história muito mais épica do que o clássico shakespeariano Romeu e Julieta. Foi exatamente pela briga entre Des e o pai de sua amada, Charles, que ele partiu, buscando provar sua honra e valor, como nos tempos dos cavaleiros. Desmond se mostrou um verdadeiro plebeu apaixonado pela donzela da corte buscando provar ao rei que ele merece a dignidade de se casar com o seu grande amor, mesmo aquele fazendo de tudo para que este não se aproxime se sua filha. O que nem Des e nem Penny sabiam é que essa jornada em busca da honra iria custar muito mais do que as habilidades do “brotha” em navegação.

Desmond foi por muitos anos noivo e, prestes a se casar, seu medo o levou para o caminho religioso. Já noviço, ele reencontra o passado que deixara para trás e se perde em dúvidas e desespero. É praticamente expulso do monastério, pendendo de vez o rumo. Tudo isso o leva a Penelope, por quem se apaixona e mantém um relacionamento de anos até que o embate com o pai dela o leva a não se acreditar bom o suficiente para a amada. Novamente, Des foge de sua responsabilidade e, mais uma vez, ele fere o coração da mulher a quem ama.

Da mesma forma que fez anteriormente, se refugia em um regime pesado e rígido, como se estivesse se punindo. Desta vez não um monastério, mas sim o exército. Sua vida continua sendo de muita privação e seus atos de indisciplina acabam por mandá-lo para uma prisão militar. Suas cartas jamais chegariam até Penny pela interceptação, mais uma vez, do pai dela. Ao sair e descobrir o desvio de sua correspondência, assume o compromisso de vencer uma volta ao mundo organizada pelo mesmo Widmore para se provar digno dela e, em sua última conversa com a sua amada, ele esconde seus reais motivos, prometendo voltar em um ano. Porém, sua aventura em busca da honra acabou na costa da Ilha na qual ficou preso. Convencido que o ambiente externo da Ilha era insalubre, trabalha na Estação Cisne por três anos antes da queda do vôo 815. Acidente este do qual Desmond pode ter sido o responsável direto, já que em um embate com Kevin, seu companheiro de “trabalho”, ele pela primeira vez deixou de repetir sua rotina de digitar os tais números em um computador.

No encontro nada amigável entre ele e os sobreviventes que o descobrem, o computador da estação é atingido e avariado por um tiro do próprio Desmond, fato que o levou a acreditar que levaria todos a morte. Sua tentativa de fuga daquele lugar em seu velho barco foi em vão e neste momento ele acredita estar preso para sempre àquele lugar. Quando descobre atividades de outras estações, a se destacar a Pérola, decide, juntamente com Locke, deixar o contador zerar novamente. Mas ao estudar os registros de atividades, descobre que o seu único descuido coincide com a queda do vôo 815 e se convence de sua culpa no acidente. Para tentar evitar outro desastre, gira a chave de segurança, descarregando a energia e explodindo a estação por completo.

É neste ponto que as viagens de consciência no espaço tempo do “brotha” se manifestam. Depois de uma experiência de estar novamente no que seja talvez o momento mais impactante em seu destino, volta ao presente e, no tempo atual, ele se percebe capaz de prever a morte de Charlie e a evita por algumas vezes, mas percebe que seus esforços são em vão, sendo ele mesmo a acompanhar o roqueiro na viagem onde este, conscientemente, deu a vida para salvar a todos.

Quando o plano de Charlie funciona e o tal cargueiro de Naomi encontra os sobreviventes, Desmond é o primeiro a deixar a Ilha, ao lado de Saiyd, e no caminho até o cargueiro sua consciência faz a mais forte viagem no tempo, alternando entre o tempo presente e um dado momento quando ele já servia o exército. Des acaba descobrindo que precisa fazer algo para conseguir parar com isso tudo e sua grande salvação é o amor que tem por Penny. Seu plano que a envolvia funciona e ele consegue se salvar, ao mesmo tempo que consegue, mais uma vez, demonstrar todo o amor que sente pela loira, único motivo dele continuar persistindo nesta interminável batalha em busca de provar a ela, ao pai dela e, sobretudo, a ele mesmo que merece a mulher a quem ama.

Penny nunca desistiu dele, mesmo sem entender seus motivos e motivações. Seu esforço é recompensado quando na sua busca ela consegue resgatá-lo para, enfim, conseguir viver feliz ao seu lado. Durante três anos, eles vivem felizes junto de seu filho, velejando para onde desejassem. Seu poderoso amor conseguiu vencer até mesmo os mistérios que envolvem a Ilha, que o prenderam e que ao mesmo tempo mostraram a ele o quanto a amava e o quanto ele deveria lutar por ela. Falta saber, como a Sra. Hawking o alertou, se a Ilha ainda tem algo reservado a Des. Ele parece ter encontrado a sua redenção no amor de Penny, mas talvez a Ilha queira muito mais do que isso do casal.

Pitaco da Karen

Desmond e Pen são o casal máximo e indíscutível de Lost. Adoráveis, é difícil encontrar defeitos nos dois. É impossível não simpatizar e torcer para que os dois vivam o conto de fadas moderno. Com o felizes para sempre, claro.

Desmond é um dos personagens mais carismáticos da série. O Romeu inseguro que sofre por não ser tudo o que gostaria, é incapaz de esquecer da amada e parte para o oceano para provar ao mundo - e a si mesmo – que é capaz, o torna o melhor – e mais encantador - exemplo do homem contemporâneo.

Você já viu como o nosso querido Des ficou no traço do pessoal do Toon Series? Dê uma olhada aqui.

Quer saber mais sobre Lost e ler reviews bem interessantes dos episódios, além de outras notícias e debates acerca de tudo que envolve a Ilha? Dê um pulinho no Teorias Lost!

Resenha sobre o PIS no Analisando

2009-09-16T17:00:00.001-03:00

Não faz muito tempo, conheci o trabalho feito pelo Alan Niemies, no Blog Analisando, onde ele faz uma avaliação detalhada sobre os mais diversos blogs que solicitam esse trampo a eles. E fazem um trabalho muito interessante e bastante personalizado. Hoje, tive a felicidade de o PIS ter sido escolhido e fiquei absolutamente satisfeito com a análise feita, já me planejando para seguir as mais diversas dicas sobre como deixar o blog ainda mais agradável. Vale a pena conhecer o trabalho desse pessoal. Se você tem um blog e gostaria que ele fosse analisado, ou mesmo quer conhecer outros reviews que eles fizeram, acesse o Analisando. para ver o texto sobre o PIS na íntegra , clique aqui.

Pessoalmente, agradeço muito pela atenção e pelas dicas. Desejo sucesso e tudo mais de bom pro Analisando.

Today I Die - Jogo on-line

2009-09-15T23:27:00.004-03:00

O título parece bastante mórbido, mas o jogo está longe disso. Com gráficos e trilha sonora bastante simples, e que pode parecer até saudosista para alguns, mostra que nem sempre precisamos de manuais ou instruções do que fazer... Ele simplesmente vai acontecendo e vamos descobrindo onde queremos chegar a cada instante. Vale bastante a pena mesmo e é bem curtinho. Não vou falar mais porque pode estragar. Clique na imagem para jogar e divirta-se!

True Blood - 2ª Temporada

2009-09-14T21:24:00.004-03:00

Com o fim da segunda temporada de True Blood, ocorrida neste último final de semana na TV norte-americana, mais um ciclo na história se fechou, e como podia-se esperar, outros tantos começaram. Com o final do décimo-segundo episódio, algumas coisas se resolveram, mas outras parecem ter apenas começado. Foi uma ótima temporada, superando todas as expectativas, mas como na temporada anterior, com um final nada mais do que bom. Se não foi surpreendente como alguns dos episódios anteriores, o season finale foi bem digno e fecha de forma muito satisfatória esse segundo ano da série-sensação do mid-season.

Na primeira temporada, foram dois focos bem interessantes que introduziram a série. O primeiro deles, e um reflexo imediato da moda atual de vampiros, é a volta da sensualidade e da sedução ligados a essas criaturas, o que havia se perdido um pouco com o passar dos anos, onde vampiros não passavam de monstros e criaturas horrendas. O segundo, e mais importante e significante, foi a questão do preconceito e da fúria em se confrontar o diferente. Nesta segunda temporada, também foram dois os focos, muito mais delimitados pela própria estrutura narrativa, que se dividiu até os episódios finais em dois núcleos em dois lugares distintos: o de Bon Temps e o de Dallas.

O primeiro foi a expansão no universo mitológico da série. Não só vampiros, mas outras criaturas sobrenaturais e mitológicas surgiram com muita força. Além de Maryann, a mênade que remete diretamente à mitologia grega, encontramos Daphne, outra metamorfa como Sam, e Barry, outro telepata, como Sookie. Também vimos que Eric pode voar, o que nem chegou perto de ser explicado. Há muito o que se explorar nessa mitologia nas próximas temporadas. Esperem por lobisomens, que sempre são citados, e outras características vampirescas ainda não reveladas. E, obviamente, há os poderes especiais de Sookie, que parece ter um dom muito maior do que o de "simplesmente" ler mentes.

O segundo foco bastante explorado nessa temporada, e que promete retornar ainda mais forte no futuro, é o fanatismo religioso. Nesse ponto, True Blood tem sido muito feliz em explorar a forma como o modo "xiita" de ver as coisas pode ser catastrófico. Nada menos do que uma grande metáfora à história mundial construída sobre os escombros de guerras religiosas e ideológicas durante séculos, ou mesmo milênios. O núcleo de Dallas soube apresentar personagens muito ricos de ambos os lados, simpatizantes e inimigos dos vampiros, diversificando, dentro desses grupos, elementos mais ou menos radicais. Newlin se mostrou um grande covarde manipulador, Luke acabou explodindo como um grande alienado e Sarah enquanto uma mulher que acredita tão inocentemente em tudo isso que perdeu a noção de realidade. Ao mesmo tempo, conhecemos Godric, o qual todos esperavam ser um viceral assassino pela idade e força que acumulou e que acabou se mostrando muito equilibrado e evoluído. Dentre seus iguais, há os mais fervorosos e selvagens, como a própria Lorena, e os mais burocratas, como a vampira que sempre tem embates na televisão com o pastor. Enfim, Alan Ball consegue fugir do maniqueísmo puro e mostrar que não há um lado certo e um errado, ou heróis e bandidos, mas um universo muito mais complexo, onde caçador e caça se misturam e se confundem. Mostra que o poder da manipulação através de uma figura divina pode cegar, como o Sociedade do Sol fez com tantos jovens, ou pode até fazer com que as pessoas percam-se de si mesmas, como Maryann fez com os cidadãos de Bon Temps.

Esta temporada foi bastante proveitosa em tantos outros aspectos que ficou impossível de não se esperar ainda mais das próximas. A história de amor de Sookie e Bill, que não agrada a todos os fãs, já teria pimenta o suficiente se ela tivesse simplesmente aceitado o anel de noivado. Com o sequestro do vampiro, tudo parece que fica ainda maior. Eric parece ser mais ameaçador ao romance de ambos do que nunca e, de cara, surge como principal suspeito do sequestro de Bill, se pensarmos no seu último diálogo com a rainha. A história paralela de Jessica foi bastante cativante, ainda que completamente fora da narrativa principal. Creio que esteja faltando um envolvimento maior dela com a trama central, mas o gancho para a próxima temporada aponta para outro caminho e decepciona os tantos seguidores do casal que ela forma com Hoyt. Ainda temos pontas soltas que devem ser mais focadas no próximo ano, como a volta de Lafayette à ativa na venda de V, agora sob o comando de Eric e da Rainha, além de a prima perdida de Sookie ser uma das servas desta mesma rainha, que deve ter uma participação maior no ano 3. E obviamente personagens como Jason, Tara e Sam encontrarão outras aventuras na cidade que parece se tornar o centro de todas os entraves entre vampiros, humanos e o que mais aparecer.

Agora, é esperar até o meio do ano que vem para ver se a série que se tornou mania vai manter o ótimo nível que construiu. Esperamos que sim.

Cinema em São Carlos: 11-09-2009 a 17-09-2009

2009-09-11T12:01:00.003-03:00

Depois de quase um ano de existência, inicio aqui no PIS uma nova sessão, que espero conseguir atualizar todas as sextas-feiras, sobre a programação da semana nos cinemas da cidade. Caso alguém tenha sugestões, correções ou coisas assim, é só me mandar, ok?

Vamos começar divulgando a programação desta semana:

SESC São Carlos e Cine São Carlos

FILM FEST - Festival de Filmes

Dia(s) 09/09, 10/09, 11/09, 12/09, 13/09
Quarta a domingo.

Mostra de filmes da atual produção brasileira. Realização Prefeitura Municipal de São Carlos em parceria com o SESC São Carlos, TV Educativa, CineUFScar, São Carlos Clube. Confira a programação completa e a classificação etária de cada filme no site www.filmfest.com.br.

Cine Iguatemi

Cine 1
Os Normais 2 - A Noite Mais Maluca de Todas
Diariamente, as 15:00, 17:00, 19:30, 21:30

Cine 2
Amantes
Diariamente, as 15:30, 17:30, 19:30, 21:45

Cine 3
Up - Altas Aventuras
Diariamente, as 15:00, 17:00, 19:00, 21:00

CineUFSCar

Dia 16/09

Kinoforum + SeIS.9 = curtas brasileiros

Sessão Itinerante do Festival Internacional de Curtas-Mteragens de São Paulo junto com a Semana da Imagem e Som (SEIS.9) realizando uma sessão de curtas-metragens.

Cine São Roque

DIA 11/09, sexta-feira, às 20h

Cloverfield - O Monstro
(dir. Matt Reeves. EUA, 2008, cor, terror)

Obs: A programação é de inteira responsabilidade dos exibidores, sendo esta divulgação uma reprodução de seus veículos de comunicação. O blog Pensando Imagem e Som se isenta de qualquer alteração na programação de quaisquer um dos cinemas.

Parabéns Toon Series!

2009-09-10T11:47:00.004-03:00

Quando entrei na blogosfera, conheci uma galera bastante empolgada e com muita coisa a mostrar. Dentre tantos parceiros que encontrei, está o pessoal do Toon Series, blog que se dedica a dar um traço todo particular a personagens do imaginário coletivo, presentes em filmes, séries, games, televisão, música, etc. Um trabalho muito competente e constante, que conquista cada dia mais fãs. Essa galera chega hoje a postagem número 200 com uma postagem especial, fazendo uma tirinha de interação entre alguns dos tantos personagens recriados por eles. Mais uma vez, eles dão show.

Não é a primeira vez que falo do blog aqui no Pensando Imagem e Som, e espero qe não seja a última. Desejo a essa galera muito sucesso e vida longa ao blog. Faz parte do dia a dia agora conferir qual o personagem da vez... Nas imagens deste post, alguns dentre centenas de personagens recriados nesses 200 posts. Confira mais no blog, e veja a postagem especial de número 200 aqui.

Warcraft On-line

2009-09-03T22:08:00.004-03:00

Não... não é o game para multidões mais famoso e "populoso" do mundo, onde há diversas raças, povos e tipos de batalhas e interações. Esse joguinho on-line e viciante é só um aperitivo deste universo, onde o grande objetivo é não deixar que os inimigos passem impunes pelo seu campo de batalha.

Para jogar, não há muito segredo. O importante é matar tudo o que se mexer por entre o caminho sinuoso. Para isso, é necessário colocar estrategicamente cada um dos tipos de armas nos melhores lugares afim de aproveitá-los ao máximo. Quando mais inimigos forem mortos, mais ouro se ganha para mais armas. Há outras, mais poderosas, que só podem ser liberadas quando a vitória sobre inimigo render madeira e... enfim, não há muita lógica em tentar achar explicações. É só colocar as coisinhas que atiram e ver o que acontece.

Está pronto? Clique aqui ou na imagem para se divertir com esse joguinho viciante.

Heróis

2009-08-30T22:47:00.006-03:00

Enquanto começo a escrever esse texto sobre o filme Heróis, de 2009, estou me perguntando se mantenho o padrão do blog em sempre utilizar o título oficial em português ou se cometo um erro a menos do que a distribuidora aqui no Brasil e coloco o nome original. Bem... tomo essa decisão até o final do texto. Fato que é que esse filme, em uma primeira olhada no cartaz dos cinemas tupiniquins pode parecer algo que bebe da fonte de X-Men e até do seriado Heroes. Foi essa a comparação feita ao filme antes mesmo de ser lançado. Mas de fato, o que menos se vê na tela é esse super-heroismo. Se há alguma relação com Heroes, é exatamente por conseguir fazer o que a série ainda não conseguiu, ao inserir personagens com poderes extraordinários em um contexto de vida comum.

A premissa é um tanto simples, mas as reviravoltas no roteiro são bastante intensas. Basicamente, o filme fala de pessoas que foram utilizadas durante a segunda guerra mundial em experimentos para aumentar seu poder psíquico e, desta forma, se transformarem em super-soldados. Elas desenvolvem então algumas habilidades especiais, como localização de pessoas (chamados de Watchers), movimento de objetos (conhecidos como Movers), ou são capazes até de inserir pensamentos na cabeça de outras pessoas ("dom" dos Pushers). Após o fim da guerra, os Estados, e o filme se foca no governo norte-americano, continuam a monitorar essas pessoas na figura das Divisões. Na trama do longa, acompanhamos Nick Gant (Chris Evans), um Mover, que mais encarna o papel do verdadeiro loser americano, vivendo porcamente em Hong Kong, e Cassie Holmes (Dakota Fanning) uma jovem, porém experta Watcher, que se unem para encontrar Kira (Camilla Belle), uma Pusher que pode ser a chave de um evento com proporções gigantescas. E não são somente eles que a procuram. Há uma série de pessoas a buscando, dentre eles Henry Carver (Djimon Hounsou), também Pusher.

A trama é bastante complexa, com reviravoltas e surpresas o tempo todo. Há certos problemas no desenvolvimento do roteiro, o que acaba sendo até compreensível dado o tamanho de pequenos detalhes que ele precisa para funcionar. A direção é muito boa e compensa o baixo orçamento com muita técnica e uma certa dose de ousadia, visto que quebra com algumas convenções e ousa na decupagem e na ambientação. O filme é muito feliz nesta proposta e resulta em uma boa diversão, que acaba complicando demais a certa altura, até tornando a fita atrativa para um segundo olhar. Não faltam correrias, efeitos especiais (que parecem óbvios para a proposta, mas que são muito mais discretos mesmo se comparados a produções televisivas, como o já citado Heroes) e muitas surpresas. A forma como a trama consegue o seu desfecho é bastante interessante também, não sendo nem um pouco previsível.

De fato, é um filme bastante cativante. Não entra na lista dos grandes filmes do cinema mundial, mas consegue ser muito competente e surpreendente na sua proposta. Se tem suas referências - muito menores do que se esperava - em outras produções onde pessoas tem dons e poderes especiais, ele consegue encontrar o seu ponto de originalidade. E como eu havia dito antes, conseguiu inserir a discussão que Heroes ainda não emplacou: de fato, em terra de cego quem tem um olho é rei? Ou melhor, ter habilidades extraordinárias é realmente um dom ou uma maldição? A personagem Cassie consegue ver o seu futuro e sabe o que a espera. Mas no final das contas, ela só quer poder entrar em um túnel qualquer sem saber onde isso vai dar. Porque será que sempre queremos o contrário do que temos?

E quanto ao título da postagem, acho que pode ficar com o nome em português mesmo... Mas faço um menção honrosa ao título original, Push, que no contexto do longa faz muito mais sentido. Espero que um dia haja mais bom senso na escolha de versões nacionais de títulos assim. De heróis mesmo, os personagens não tem nada. Não é o fato de ter uma habilidade que faz o herói. Mas enfim...